"Rytm Języka" w Muzeum Książki Artystycznej

"Rytm Języka" w Muzeum Książki Artystycznej

14.06.2017
Willa Grohmana, Muzeum Książki Artystycznej

Zapraszamy na koncert "Rytm Języka" Teatru CHOREA, prezentowany w ramach cyklu "Koncerty w Willi Grohmana", w Muzeum Książki Artystycznej w Łodzi.

data: 14 czerwca 2017 (środa)
godzina: 20:00
miejsce: Muzeum Książki Artystycznej, Willa Grohmana, ul. Tymienieckiego 24, Łódź
bilety: wstęp wolny, bezpłatny

Projekt "Koncerty w Willi Grohmana" nawiązuje do historycznych wydarzeń, czyli cyklicznych koncertów, które organizował w swojej willi łódzki biznesmen i filantrop, a których bohaterem był m.in. Ignacy Jan Paderewski. Prezentowany program obejmuje szeroki wachlarz gatunków: od muzyki poważnej wszystkich epok, poprzez muzykę ilustracyjną, piosenkę literacką, projekt multimedialny, aż po muzykę świata.

Więcej informacji: 


https://www.facebook.com/BookartMuseum/
https://www.facebook.com/events/160733807794479/

 

Koncert "Rytm Języka", Teatr CHOREA

Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Występują: Maciej Bednarek, Joanna Chmielecka, Hubert Domański, Sandra Gierzek, Dominika Jarosz, Joanna Kłos, Milena Kranik, Tomasz Krzyżanowski, Kuba Pałys, Justyna Sobieraj-Bednarek, Elina Toneva
Premiera: 21 sierpnia 2014, Festiwal Retroperspektywy, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi

"Rytm Języka" to koncert będący kontynuacją muzyczno-językowych poszukiwań Tomasza Krzyżanowskiego i Teatru CHOREA. Język i rytm są fascynujące. Panuje między nimi absolutne braterstwo. W języku jest rytm i rytm też jest językiem. To ekscytujące, że w tworzeniu muzyki można inspirować się tymi zjawiskami w obie strony, wychodząc raz od melodii, charakteru i brzmienia sylab, a innym razem od pulsu, umiejscowienia słów w czasie, akcentowania i wypowiadania głosek w określonym porządku, czy od rytmicznego kodu, w którego tkankę wplatamy poszczególne słowa i zdania. Melodia słów, intonacja, rytm zdań, fraz są jak pieśń języka. Można jej słuchać czy analizować jak partyturę muzyczną. Ta pieśń ma jednak formę otwartą. Można używać jej na różne sposoby, zmieniać jak  w kalejdoskopie.
Tak jak w kalejdoskopie jest miejsce na różne barwy, kształty, obrazy, emocje tak w koncercie "Rytm Języka" znajdują się pieśni i rytmy inspirowane językami świata. W tym muzycznym "mozaikonie" usłyszymy między innymi: perski temperament, turecki orient, akadyjską tajemnicę, starogrecki patos i polską grę słów. Staraliśmy się znaleźć w rytmie i brzmieniu języka to, co jest w stanie bezpośrednio dotknąć i poruszyć ludzką wrażliwość. Szukaliśmy możliwości otwarcia w wykonawcy i widzu innej perspektywy czasu, percepcji i świadomości.



PEŁNY PROGRAM CYKLU "KONCERTY W WILLI GROHMANA":

1/6. 24 maja 2017, środa, godz. 20:00
Koncert kameralny w wykonaniu studentów 
Akademii Muzycznej w Łodzi 

Pierwszy koncert muzyki poważnej, od baroku aż po współczesność, w wykonaniu studentów Akademii Muzycznej w Łodzi, wykonywany w magicznych, historycznych wnętrzach gościnnej Willi Grohmana - Muzeum Książki Artystycznej w Łodzi.

2/6. 31 maja 2017, środa, godz. 20:00
Koncert kameralny w wykonaniu studentów
Akademii Muzycznej w Łodzi 

Drugi koncert muzyki poważnej, od baroku aż po współczesność, w wykonaniu studentów Akademii Muzycznej w Łodzi, wykonywany w magicznych, historycznych wnętrzach gościnnej Willi Grohmana - Muzeum Książki Artystycznej w Łodzi.

3/6. 07 czerwca 2017, środa, godz. 21:00 
Koncert multimedialny „Miłosz w żywych obrazach”

„Miłosz w żywych obrazach” - to koncert multimedialny, oparty na poezjach polskiego Noblisty, stworzony w 2011 roku. Koncert jest zaskakującą hybrydą słów, obrazów i muzyki. To wielopłaszczyznowa interakcja, której efektem jest udźwiękowienie i zobrazowanie człowieka jako jednostki. Miłosz zrzucający z siebie ciężar narzuconego spiżu uwalnia się poprzez własne słowa.Wizja. Otwarcie. Wybór. Czas. To słowa - klucze onirycznej konstrukcji z pogranicza koncertu i spektaklu. Konstrukcji, w której Miłosz jest po prostu narratorem, człowiekiem bliskim, ciepłym, żywym. Jego słowa wyświetlane na ekranie splatają się z wielowymiarowymi, pełnymi symboliki i surrealizmu wizualizacjami Roberta Motyki. Wszystko spaja w całość muzyka Pawła Odorowicza - pomysłodawcy projektu - bazująca na klasycznym instrumentarium (altówka, kwartet smyczkowy i komputer), lecz potraktowana jak kolejna warstwa tkanki. Sam Odorowicz - czy raczej jego kontur - jest tutaj jedynym „żywym elementem scenicznym” zamkniętym wewnątrz poetyckich wizji słów, tworząc spójną, choć nieprzewidywalną całość.

4/6. 14 czerwca 2017, środa, godz. 20:00
„Rytm języka”

Koncert inspirowany językami i muzyką świata.


5/6. 21 czerwca 2017, środa, godz. 20:00 
„Już się raczej nie przejmuję”

Koncert „Już się raczej nie przejmuję” - to przejmujący zapis pieśni lubelskiego barda Marcina Różyckiego, zmarłego przedwcześnie po długiej walce z nowotworem. Fascynująca podróż po wnętrzu nadwrażliwej psychiki twórcy, zderzona z mało poetycką, brudną, pijaną rzeczywistością. Podczas koncertu wykorzystywane są: materiały archiwalne (głos Różyckiego i jego ostatni wywiad), wizualizacje i muzyka na żywo (Tomasz Deutryk – perkusja, Paweł Odorowicz – altówka, wizualizacje).


6/6. 28 czerwca 2017, środa, godz. 20:00 
Koncert zespołu Dzikie Jabłka
(fuzja polskiej muzyki folkowej i afrykańskich rytmów)

Dzikie Jabłka - to jeden z najciekawszych zespołów polskiej sceny folkowej, który z wdziękiem i niepowtarzalną charyzmą odkrywa nowe oblicze polskiej muzyki tradycyjnej. Występy zespołu są dla odbiorców niezwykłym przeżyciem i potężną dawką pozytywnej enerii. Dowodem tego są entuzjastyczne reakcje publiczności, znakomite recenzje oraz liczne nagrody na czołowych polskich festiwalach muzyki folkowej. Repertuar zespołu Dzikie Jabłka to wspólnie brzmiące dwa żywioły: słowiańska melodyjna nuta i porywający rytm afrykańskich bębnów. To nie inspiracja Afryką czy polskim folklorem, lecz ich żywe zespolenie. Ta muzyka ma smak owoców z drzewa, które rośnie w polskim ogrodzie, ale korzeniami sięga aż do Afryki. Nagrody: III miejsce oraz Nagroda Publiczności „Burza Braw” w konkursie XVII Festiwalu Muzyki Folkowej Polskiego Radia „Nowa Tradycja” 2014; I miejsce w konkursie Scena Otwarta XXIII Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Ludowej "Mikołajki Folkowe" 2013 - “za ogień i charyzmę, harmonię i spójność koncepcji w łączeniu kultur: słowiańskiej i afrykańskiej, oraz powrót do idei folku”; nagroda im. Anny Kiełbusiewicz dla najlepszej wokalistki konkursu Scena Otwarta dla Małgorzaty Ciesielskiej-Gułaj – wokalistki zespołu Dzikie Jabłka; Złota Fujara czyli Grand Prix konkursu V Dragon Folk Fest 2014 w Poznaniu; 4xTAK i znakomite recenzje jurorów w VI edycji programu Must Be the Music – Tylko Muzyka, wrzesień 2013.


Wstęp na wszystkie koncerty jest bezpłatny!
Wszystkie wydarzenia odbywają się w Muzeum Książki Artystycznej w Łodzi, ul. Tymienieckiego 24.



Projekt finansowany przez Łódzkie Centrum Wydarzeń w ramach Programu KULTUGRANTY.

18644643 10213234043381170 1037028871 n

 



Organizacja:

Muzeum Książki Artystycznej – Fundacja Correspondance des Arts

18643595 10213234043301168 1528827811 n

 


Współpraca:

Stowarzyszenie Monar, Klub Profilaktyki Środowiskowej „Nie nuda”, Klub 40 i 4.

 

18720692 10213234043341169 314948656 o

 

Wsparcie:

Fabryka Sztuki w Łodzi

 

FABRYKA logo

 

Teatr CHOREA

teatrCHOREA logo jpg

 

Teatr Pinokio w Łodzi

pinokio 480x233

 

more

Czerwcowe Twórcze Warsztaty w Fabryce Sztuki

Creative Workshops in Fabryka Sztuki in June

03-28.06.2017
Fabryka Sztuki in Lodz

Zapraszamy na czerwcowe Twórcze Warsztaty w Fabryce Sztuki! Tym razem w programie nie zabrakinie warsztatów dla młodzieży, dorosłych, dzieci i całych rodzin. Popatrzcie co dla Was przygotowaliśmy. :)


FIZYKA W RUCHU. RUCH FIZYCZNY. FIZOLE. FILOZOFIA RUCHU. - dwudniowe warsztaty taneczno-ruchowe dla młodzieży i dorosłych

data: 3-4 czerwca (sobota-niedziela)
godzina: 11:00-14:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Michał Ratajski
wiek uczestników: młodzież od 16 roku życia i dorośli
czas trwania: 2x3 godziny
koszt: 5 zł od osoby, za dzień


Na warsztacie zajmiemy się fizyką poprzez ruch. Czerpiąc z wiedzy kontakt improwizacji, sztuk walki i tańca współczesnego, przyjrzymy się pojęciom takim jak: pęd, grawitacja, siła odśrodkowa, ciężar. Korzystając z mechanizmów takich jak: punkt podparcia, konstrukcja, balans i bycie poza nim oraz z pomysłów na zarządzanie energią, poszukamy zależności, które przekuć można na użyteczne narzędzia do ekspresji w ruchu, a być może i w tańcu. Nie odkryjemy nic, o czym nie wiedziałby już współczesny świat, nie podważymy żadnego twierdzenia, nie nauczymy się wszystkiego. Postaramy się pobudzić myślenie w ciele, by odkryć własną ścieżkę do kontynuacji poszukiwań dla ruchu.


UWAŻNOŚĆ ŻABKI - rodzinne warsztaty koncentracji dla dzieci w wieku 5-10 lat

data: 8 czerwca (czwartek)
godzina: 15.30-16:00 (pierwsza grupa), 16:15-16:45 (druga grupa)
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Majka Justyna
wiek uczestników: 5-10 lat
czas: 30 minut
koszt: 5 zł za dziecko


„Żaba to bardzo wyjątkowe zwierzę. Potrafi bardzo daleko skakać, ale też wyjątkowo spokojnie siedzieć. Doskonale wie, co się dzieje wokoło niej, ale nie spieszy się z reakcjami. Siedzi spokojnie i oddycha. W ten sposób nie męczy się i nie wyrywa się razu do wszystkich szalonych pomysłów. Żaba bardzo spokojnie siedzi i oddycha.” (Eline Snel „Uważność i spokój żabki”)
Dzieci są z natury ciekawskie, mają duszę odkrywcy. I naturalną potrzebę uczenia się. Są też naturalnie uważne. Ale podobnie jak dorośli, często bywają zestresowane, niespokojne, rozkojarzone. Wiele dzieci zbyt wiele robi, a za mało po prostu jest. Stają się być dorosłe, zanim mają szansę pobyć dziećmi. Praktyka uważności i jogi zaspakaja w obecnych trudnych czasach ogromną potrzebę fizycznego i duchowego spokoju, zarówno u dzieci jak i u rodziców. Ćwiczenia uważności i jogi przeznaczone są dla wszystkich dzieci, które chcą nauczyć się uspakajać gonitwę myśli, rozumieć i odczuwać w swoim ciele emocje, a także poprawiać koncentrację. Nadają się również dla dzieci, które potrzebują więcej wiary w siebie i zrozumienia, że mogą być takie, jakie są.


MIASTO-UCHO – dwudniowe warsztaty dźwiękowe dla dzieci i młodzieży w wieku 8-16 lat

data: 10-11 czerwca (sobota-niedziela)
godzina: 11:00-13:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Filip Appel
wiek uczestników: 8-16 lat
czas: 2x2 godziny
koszt: 5 zł za dziecko za dzień
UWAGA: Na warsztat prosimy zabrać ze sobą kalosze i parasolki! :)

Warsztaty mają pomóc w zrozumieniu jak ważny jest dźwięk w codziennym życiu, jak usłyszeć to, czego na co dzień nie słyszymy. Pokazać, że w zwykłym „hałasie” potrafią kryć się dźwięki potrafiące zbudować nową jakość, nową rzeczywistość. Chcemy uwrażliwić uczestników warsztatów na otoczenie, nie tylko na poziomie wizualnym, ale również sonicznym, które na co dzień nie jest ani zauważane, ani doceniane.
W trakcie warsztatów uczestnicy odbędą kilka spacerów, podczas których będą rejestrować to, co słyszą. W drugiej części zajęć będą mieli za zadanie przetwarzać zarejestrowane dźwięki i opowiadać za ich pomocą własne historie. W wyniku tych zabiegów powstaną mikrosłuchowiska. Całość zakończy wspólny odsłuch dźwiękowych mini utworów wraz z krótkim uzasadnieniem.


WARSZTATY AUDIODESKRYPCJI - warsztat dwudniowy dla dorosłych

data: 10-11 czerwca (sobota-niedziela)
godzina: 10.00-18.00 (sobota), 9.00-17.00 (niedziela)
miejsce: sala konferencyjna (budynek A Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Ewa Romanowska i Mariusz Trzeciakiewicz 
wiek uczestników: warsztat dla osób dorosłych
czas: 2x8 godzin
koszt: 5 zł od osoby za dzień


Podczas warsztatów poruszone będą zagadnienia takie jak:
- Czym jest audiodeskrypcja, do czego służy, komu i jak może się przydać?
- Specyficzne potrzeby odbiorcy z dysfunkcją wzroku, jego ograniczenia i możliwości.
- Ćwiczenia opisowe.
- Podobieństwa i różnice w audiodeskrypcji.
- Programy i narzędzia w audiodeskrypcji.
- Praktyczna praca z materiałem audiowizualnym.
- Praca lektorska w audiodeskrypcji.
- Praktyczna praca nad opisem materiału audiowizualnego.


KRAV MAGA – rodzinne warsztaty ruchowe dla dzieci w wieku 5-9 lat

data: 12 czerwca (poniedziałek)
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
godzina: 15:30
prowadzenie: Elina Toneva
wiek uczestników: 5-9 lat
czas: 60 minut
koszt: 5 zł za dziecko


Trening dla dzieci oparty o formy zabawowe: bieganie, gry zadaniowe, tory przeszkód. Nauka bezpiecznych upadków, nauka unikania i rozpoznawania zachowań agresywnych, samoobrony.


ODYSEJA PERFORMERA - dwudniowe warsztaty performerskie dla młodzieży i dorosłych

data: 16-17 czerwca (piątek-sobota)
godzina: 18:00-21:00 (piątek), 11:00-14:00 (sobota)
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Marta Ryczkowska, Paweł Korbus
wiek uczestników: od 17 roku życia
czas: 2x3 godziny
koszt: 5 zł od osoby za dzień


"O czasie, pamięci, zapominaniu" / 16-17 czerwca 2017 / Łódź

Nietzsche, w tekście O pożytkach i szkodliwości historii dla życia, w prowokacyjny sposób wygłosił pochwałę zapominania. Pytał: „Po co pamiętać, skoro pamięć zabija?”. Historię można przedawkować, wzrok utkwiony w przeszłości może być postawą wrogą życiu. Twierdził on, iż warunkiem ludzkiego działania jest zapominanie. Pamięć może być balastem, zwłaszcza gdy jest sterowana, napędzana przez propagandę, zabarwiona ideologicznie, wyuczona, narzucona, oficjalna i celebrowana publicznie. Pamięć jest również wpisana w ciało na poziomie komórkowym, sięga dalej niż świadomość. Jej nosicielem jest również materia, ściany domów, ulice, miejsca i nie-miejsca. Zarówno pamięć jak i zapominanie są naszymi życiowymi nauczycielami. Według mitologii greckiej pod ziemią płynie pięć rzek o magicznych właściwościach. Jedna z nich, Lete, zwana jest rzeką zapomnienia. Jedna kropla usuwała całkowicie pamięć krótkotrwałą, a wypicie wody z Lete miało powodować całkowitą utratę pamięci. Niektóre greckie wierzenia mówiły o tym, że dusze musiały to czynić przed reinkarnacją, aby nie pamiętać swoich przeszłych żywotów. Podczas dwudniowych warsztatów zastanowimy się nad problemem czasu, pamięci i zapominania, skoncentrujemy się na pracy w czasie i z czasem: obecnym, minionym, przyszłym, ciągłym i urywanym, wyobrażonym i rzeczywistym.

Warsztaty będą składały się z części teoretycznej, gdzie przywołane zostaną postacie wybitnych światowych performenrów jak B.Nauman, D.Oppenheim, H.Nitsch, R.Schwarzkogler, J.Beuys, Gilbert and George, M.Abramović i Ulay oraz klasycy polskiej sceny performance m.in. J.Bereś, Z.Warpechowski, tandem KwieKulik, A.Partum, J.Świdziński, E.Zarzycka, J.Bałdyga, J.Truszkowski, C.Bodzianowski. W drugiej części – laboratoryjnej, pracować będziemy takimi metodami jak storrytelling, improwizacja, dada, krótkie działania indywidualne i grupowe, dyskusje i omawianie motywów działania w kontekście performance. Nie będzie to proces ukierunkowany na ściśle określony cel, raczej na pobudzanie wyobraźni i uwalnianie potencjału naturalnej ekspresji. Trzecia cześć warsztatu to tzw. otwarta dla publiczności scena performance, czas i miejsce, gdzie każdy z uczestników będzie mógł upublicznić wybrane punkty swojej wewnętrznej wędrówki w kierunku ze sztuką performance.


MALI ODKRYWCY - rodzinne warsztaty sensoryczne dla dzieci w wieku 2-4 lata

data: 21 czerwca (środa)
godzina 11:00-12:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Magda Gaj-Nowicka / Bergamutka
wiek uczestników: 2-4 lata
czas: 60 minut
koszt: 5 zł za dziecko


Małe dzieci rozwijają się holistycznie. Wszystkie ich strefy rozwoju (fizyczna, emocjonalna, społeczna, poznawcza) przenikają się i wzajemnie na siebie wpływają. Rozwój fantazji w zabawie jest podstawą kreatywnego myślenia, a rozwój fizyczny wpływa na przyszłe nabywanie umiejętności czytania i pisania. (Jak się uczą małe dzieci, Instytut Małego Dziecka A.Lindgren.) 
Na warsztatach w spokojnej atmosferze, dzieci będą wielozmysłowo badać świat. Wąchając, smakując, obserwując, dotykając, słuchając, przemieszczając, będą odkrywać i poznawać otoczenie. Zajęcia dadzą okazję by obserwować, współpracować, rozwijać nowe zainteresowania, wzmacniać inicjatywę dziecka oraz poczucie sprawstwa. Na każdych zajęciach pojawi się nowy temat przewodni. Będziemy poznawać kulturę, prawidła przyrody, utrwalać tajną wiedzę o kolorach i fascynującym świecie zwierząt czy rozpoznawać emocje jakie towarzyszą nam w codziennym życiu.


CZTERY PORY ROKU - rodzinne warsztaty polisensoryczne dla dzieci w wieku 3-5 lat

data: 23 czerwca (piątek)
godzina: 10.00-11:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Pracownia Sztuczka
wiek uczestników: 3-5 lat
czas: 60 minut
koszt: 5 zł za dziecko


CZĘŚĆ 1: Wio!Sny
Część pierwsza warsztatów odnosi się do wiosny. Fabuła wydarzenia przebiega odwrotnie niż nakazuje tradycja. Dzieci zamiast przeganiać zimę, budzą wiosnę do życia. Grzebanie w ziemi, lepienie z niej kul nasiennych, obserwacja wzrostu roślin, słuchanie zagadkowych odgłosów ptaków, zabawy z zakresu kinezjologii edukacyjnej, korelujące działanie półkul mózgowych, stymulacja stóp i dłoni. Wszystko to wplecione w poetykę wiosenną, zapach świeżo ściętej trawy i ziół. Kompozycje i instrumentarium inspirowane polską muzyką tradycyjną. Dzieci wykonują własne kule nasienne, które mogą gdzieś zasadzić, podlewać i obserwować ich wzrost.

CZĘŚC 2: Latamy!
Druga część warsztatu oparta jest na specyficznym odczuwaniu przestrzeni, zabawach kinezjologicznych i puszczaniu latawców. Wydarzenie odbywa się na wolnym powietrzu, skłania do doświadczania przestrzeni na różnych poziomach. Odbywa się to głównie przez ruch. Dominujące są tu aktywności związane z ruchem naprzemiennym oraz tzw. leniwą ósemką. Wszystkie one wplecione są w fabułę warsztatu, w której dzieci czynnie uczestniczą poprzez ruch. Oprócz nastawienia na aktywność kinetyczną będziemy się starać oddziaływać na zmysł dotyku i zapachu. Wzmożony kontakt z sianem, wodą, piaskiem, mają stymulować doświadczenia charakterystyczne dla letniej pory roku, ale też potrzebne są w prawidłowym rozwoju motoryczno-sensorycznym. Dzieci wykonają własne proste latawce.
Będzie naturalnie, a co za tym idzie polisensorycznie. Rodzice i opiekunowie muszą być przygotowani na mocno interaktywny udział dzieci, od stóp do głów. Zapraszamy w strojach zobowiązujących do ubrudzenia, wszak dzieci są albo czyste, albo szczęśliwe...

Scenariusz i reżyseria: Liza Szczęśliwa
Koncepcja i scenografia: Iwona Kornet, Iwona Księżniak, Liza Szczęśliwa
Reżyseria i scenografia: Liza Szczęśliwa
Muzyka (na żywo): Sylwia Lasok, Marcin Kowalczuk
Obsada: Sylwia Lasok, Marcin Kowalczuk, Liza Szczęśliwa, Dominika Krzyżanowska Gorzkiewicz


ŻARTY TEATRALNE - warsztaty teatralno-plastyczno-literackie dla dzieci w wieku 6-12 lat

UWAGA ZMIANA TERMINU WARSZTATÓW!

data: 25 czerwca (niedziela)
godzina: 11:00-12:30

miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Joanna Filarska
wiek uczestników: 6-12 lat
czas: 90 minut
koszt: 5 zł za dziecko


Warsztaty teatralne bazujące na kreatywności dzieci.
Krótkie zabawy - małe przedstawienia tworzone będą przez grupę dzieci w oparciu o wiersze poetów polskich, ich własne pomysły i materiały plastyczne. Warsztat ma rozwijać dziecięcą wyobraźnię i ekspresję, pamięć, muzykalność, poczcie rytmu a także umiejętność współpracy
w grupie.


SENSOPLASTUSIE – rodzinne warsztaty plastyczno-sensoryczne dla dzieci w wieku 1,5-5 lat

data: 28 czerwca (środa)
godzina: 11:00-12:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Magda Gaj- Nowicka/ Bergamutka
wiek uczestników: 1,5-5 lat
czas: 60 minut
koszt: 5 zł za dziecko


Zajęcia plastyczno-sensoryczne zakładają wyzwolenie większej swobody twórczej poprzez stworzenie przestrzeni wspierającej kreatywne pomysły. Istotą zajęć jest możliwość ekspresji na dużych formatach, z wykorzystaniem niestandardowych materiałów oraz „brudzących” uczestników i przestrzeń technik. Rozszerzamy myślenie na temat narzędzi, pędzlem może być makaron spaghetti, pęk trawy czy kwiat, malować można balonami napełnionymi wodą, czy szklanymi kulkami, dopuszczając rolę przypadku i zapoznając z malarstwem gestu. Zmieniamy wachlarz dotychczas znanych materiałów z jakich powstają prace, wykorzystujemy do tworzenia kolorowe bańki mydlane, zabarwione kostki lodu, farbą może być kisiel, jogurt z barwnikiem spożywczym czy kasza manna rozsypana na świetlnym stole. W przeciwieństwie do standardowych zajęć plastycznych uczestnicy warsztatów nie poznają przed rozpoczęciem pracy efektu do jakiego mają dotrzeć. Celem jest proces twórczy a nie nauka konkretnej techniki. Uczestnicy zajęć wykorzystują dostępne materiały i przestrzeń do realizacji własnych zamierzeń. Podczas warsztatów nie korygujemy „błędów” np. nierównych linii, nierealnych kolorów, przypadkowych plam. W zajęciach najistotniejszy jest proces twórczy oraz szacunek do dziecięcego skupienia, potrzeb, zainteresowań i pomysłów. Równie ważny jest fakt pracy w grupie, który uczy dzieci stopniowo uwzględnienia potrzeb i granic innych osób. 


WAŻNE INFORMACJE!!!

Opłata za udział w warsztatach wynosi 5 zł od uczestnika.
W przypadku warsztatów rodzinnych opłata tylko za dzieci. Opiekunowie nie płacą.
Dorośli, którzy chcą wziąć udział w warsztacie rodzinnym indywidualnie dokonują opłaty 5 zł za osobę.
W przypadku warsztatów dwudniowych opłata wynosi 5 zł za jeden dzień.
Płatność za udział w warsztatach przyjmujemy wyłącznie gotówką, przed rozpoczęciem wydarzenia.


Zapisy na warsztaty prowadzi Teatr CHOREA
mailowo: warsztaty@fabrykasztuki.org
telefonicznie: 42 646 88 65 w.30
W mailu prosimy podać tytuł warsztatu, datę warsztatu i dane uczestników (imię i nazwisko, ilość i wiek dzieci i ilość opiekunów).
System rezerwacji miejsc zamykamy o godz 18:00, w dniu poprzedzającym wydarzenie.

Fabryka Sztuki nie ponosi odpowiedzialności za treści ogłoszeń umieszczanych na portalach społecznościowych poza wiedzą organizatora. 

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

mkidn 01 cmyk

more

"Nowy" - spektakl stworzony metodą Teatru Forum

"Nowy" - spektakl stworzony metodą Teatru Forum

25.05.2017
Teatr CHOREA

Serdecznie zapraszamy na spektakl „NOWY”, w wykonaniu wychowanków Młodzieżowego Ośrodka Socjoterapii nr 3 w Łodzi, stworzony metodą Teatru Forum.

data: 25 maja 2017, czwartek
godzina: 15.00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, ul.Tymienieckiego 3
prowadzenie: Iga załęczna
wstęp: wolny, bezpłatny

Spotkanie - spektakl jest owocem warsztatów prowadzonych metodą Teatru Forum przez Igę Załęczną, w ramach projektu „Teatr Forum – roczny cykl warsztatów i spektakli”.

Teatr Forum to metoda pracy z grupą z pogranicza teatru i edukacji, stworzona przez brazylijskiego praktyka dramy, pedagoga, reżysera oraz twórcę koncepcji Teatru Uciśnionych (Theatre of the Oppressed) Augusto Boala.  
To interaktywna forma tworzenia spektakli, w której widzowie mają możliwość wpływu na przebieg działań scenicznych. Specyficzna funkcja uczestników, którzy swoimi interwencjami mogą tworzy własną historię na scenie czyni z nich aktywnych współtwórców przedstawienia. Doświadczenie to wykorzystując metody aktywnego uczestnictwa uczy stawiania granic, komunikowania złości, mówienia o swoich potrzebach, radzenia sobie w sytuacjach konfliktowych. Dzięki realizacji tej zasady spektakl jest czymś więcej niż wydarzeniem artystycznym - pozwala na rozwój kompetencji społecznych i komunikacyjnych. Zachowując zasady wzajemnej odpowiedzialności, szacunku i troski o wszystkich uczestników wspólnie tworzymy bezpieczną przestrzeń do mówienia otwartym głosem.

Projekt zrealizowano w ramach stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Partnerzy: Teatr CHOREA, Fabryka Sztuki w Łodzi, Studium Animatorów Kultury we Wrocławiu

more

Take Over Final Project Conference - open call

Take Over Final Project Conference - open call

24.05.2017
Avignon

NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES: Seeing young audiences through young people’s eyes

Take Over Final Project Conference | 17 July 2017| Avignon

 

The partners of the Take Over project are pleased to invite you to the NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference which will take place at the Avignon Festival within the Maison Professionnelle du Spectacle Vivant on 17th July from 2-6pm. 

In our NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference we will be sharing the learning we have taken from the project along with the recommendations we have for those who might look to adopt this model in the future. We will also hear from the young people themselves who have been at the heart of the project. 

Call for participation & Selection 

At the NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference arts professionals from across Europe will have a chance to discuss approaches to audience development, hearing from the Take Over project partners about the experience of embedding and working with a youth board. 

We are able to offer a limited number of travel grants to attend the half day conference on Monday 17th July at the Avignon Festival for those organisations who are keen to explore new ways to develop their audiences.  

The general deadline has now closed but we are still looking for applications from organisations in Poland, Greece and Italy. If you are based in any of these countries please fill in the very short online application form found here (and link below) by midnight on the 24th May.

https://docs.google.com/forms/d/1O2h_SUvXRhlSgRX4nZ8axrPbbQk6WVaXUIxo8Ilac9Y/viewform?ts=58ee220e&edit_requested=true

Should your application be successful you will be contacted by one of the Take Over team and we will be able to support:

  • Two night’s accommodation for Sunday 16th and Monday 17th July in Avignon. 
  • Travel stipend of 300 euros to cover part of your travel costs to the conference
  • If your application for a travel grant is not successful we would still love you to join us for the conference and hope you will be able to do so! More details of the programme and registration instructions will be available in late May. 

If you have any questions about the conference programme or the registration form please do not hesitate to contact: Susan.Winter@britishcouncil.org 

What happens afterwards?

  • If you receive a travel grant to attend the Take Over final conference you get to start making your travel plans! All accommodation is already organised for the nights of the 16th and 17th of July but if you want to stay on at the festival longer you will need to make your own arrangements. 
  • Post the conference we will ask that you write a short (max 1 page) blog post/report on your experience at the conference and any lessons learnt. 

  

more

Mamy Teatralny Znak Jakości

Mamy Teatralny Znak Jakości

23.05.2017
Festiwal Perspektywy

Z dumą informujemy, że Festiwal Perspektywy 2017, organizowany przez Teatr CHOREA został wyróżniony TEATRALNYM ZNAKIEM JAKOŚCI, przyznawanym przez środowisko teatralne za tworzenie różnorodnego programu artystycznego i edukacyjnego, działania przeciw wykluczeniu, odpowiedzialność, uczciwość, systemetyczność i transparentność.

TEATRALNY ZNAK JAKOŚCI to zestaw „dobrych praktyk” mających na celu promowanie współpracy opartej na tworzeniu klimatu zaufania i szeroko pojętej odpowiedzialności społecznej teatrów, ośrodków teatralnych, organizatorów festiwali i długofalowych projektów teatralnych.

TEATRALNY ZNAK JAKOŚCI jest inicjatywą oddolną środowiska teatralnego skupionego wokół Ogólnopolskiej Offensywy Teatralnej. Otwarty charakter kryteriów stanowi podstawę do budowania branżowej platformy wszystkich organizatorów życia teatralnego w Polsce w oparciu o wspólnie wyznawane wartości.

TEATRALNEGO ZNAKU JAKOŚCI nie przyznaje żadne powołane gremium. Każdy z poniżej wymienionych podmiotów może dobrowolnie zacząć go używać pod warunkiem spełnienia kryteriów i przestrzegania zasad regulaminu. Może nim być organ władzy publicznej, organizacja pozarządowa, osoba prawna, jednostka organizacyjna lub osoba fizyczna.

Więcej informacji:

https://www.facebook.com/teatralnyznakjakosci/

http://www.scenarobocza.pl/projekt/teatralny-znak-jakosci/

 

teatralny znak jakoci wersja podstawowa

more

Spektakl "Deadline" Studium Teatralnego / Perspektywy 2017

Performance "Deadline" / Perspektywy Festival

14.05.2017
Art_Inkubator in Fabryka Sztuki in Lodz

Performance “Deadline” Stadium Teatralne from Warsaw at Perspektywy Festival 2017: Theatre – the avant-garde in action

date: 14 May 2017 (Sunday)
hour: 7 PM / 19:00
venue: Art_Inkubator at Fabryka Sztuki in Łodzi
tickets: PLN 20 reduced / PLN 30 normal
booking:
via email: teatrchorea@gmail.com
via telephone: +48 506 103 207 (Monday-Friday, NOON – 5 PM / 12:00-17:00)
The show is in English with Polish subtitles.


INFORMATION ABOUT THE SHOW:

Show: "Deadline"
Creators: Studium Teatralne / Warsaw
Director: Piotr Borowski
Cast: Danny Kearns, Magda Czarny
Music: Małgorzata Gąsiorowska
Costumes: Karina Piwowarska
Video: Adrien Cognac
Production: Gianna Benvenuto
The show is in English, with subtitles

It is a story of two people living in different times: present, future and suspended, as if timeless one. 

The first part is the time of disintegration – last half an hour of life of a well-known comedian, who donated his DNA in the expectation of a rebirth. For 30 minutes he is recording a commentary on his biography for his successor, the clone, to ensure the continuity of the memory, identity. 
His stories, analysis, examination of conscience or confession are in view of an inevitable termination. The character’s life may be called ordinary: the ambition, craving for recognition, success at any cost, permanent sexual desire. The sincerity is the actual value of what he says and this honesty makes this character almost likable. 

The second part is the time of drought. 
Two thousand years have passed. The character is the 24th clone of the original one. In the post-nuclear world, the number of people has dramatically declined due to mass deaths occurring in the irradiated atmosphere. 
Clones are strong and healthy. They live in a complete isolation, from both human and each other. There is no more love, no more sex. Clones believe that by such asceticism they make possible the arrival of the Future entities which are to be one virtual consciousness. 

The third part is the time of dampness.
At last, the character is heard and founds the answer to the basic question which appears in each of the three parts: what is love?


INFORMATION ABOUT THE CREATORS:

Studium Teatralne is one of the leading theatre groups of Poland's avant-garde theatre. It was originally set up in 1996 by Piotr Borowski, who had played a part in many experimental productions over the years and who was a former collaborator of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Studium Teatralne has performed many times at festivals in Poland and abroad, among others in: USA, Sweden, Belarus, Italy, Venezuela, Switzerland, England, Russia, Croatia, Germany, France, Moldova, Uruguay, Argentina, Colombia.

 

http://studiumteatralne.pl

https://www.facebook.com/steatralne/

https://www.instagram.com/steatralne/

 

more

Spektakl "Nicea/14.VII" Teatru Cinema / Perspektywy 2017

Performance 'Nicea/14.VII' / Perspektywy Festival

13.05.2017
Art_Inkubator in Fabryka Sztuki in Łódź

Performance “Nicea/14.VII” by Cinema Theatre from Michałowice and AKHE Engineering Theatre from Saint Petersburg at Perspektywy Festival 2017: Theatre – the avant-garde in action

date: 13 May 2017 (Saturday)
hour: 7 PM / 19:00
venue: Art_Inkubator at Fabryka Sztuki in Łodzi
tickets: PLN 20 reduced / PLN 30 normal
booking:
via email: teatrchorea@gmail.com
via telephone: +48 506 103 207 (Monday-Friday, NOON – 5 PM / 12:00-17:00)
The show is in English.

INFORMATION ABOUT THE SHOW:

Show: “Nicea/14.VII”
Creators: Cinema Theatre from Michałowice / AKHE Engineering Theatre from Saint Petersburg
Author of the concept and director: Zbigniew Szumski
Performers: Anna Krych, Tadeusz Rybicki, Maxim Isaev, Pavel Semchenko

The show was created in relation to the absurd terrorist act that took place on the 14th of July 2016 in Nice. A manifestation of helplessness. A hospitalization of anger. 

Long ago, the human in anger used to address the heavens and gods. Nowadays, people go to a psychotherapist to alleviate their trauma and, if lucky enough, discover that living is a co-existence with the ancestors. Acts of terror stemming from peoples’ creed are running rampant, getting beyond control or any understanding. This show is an attempt to describe such a situation. To reflect the helplessness we applied quotes from everyday activities and even referred to appliances manuals. We confronted them with phenomena of modern times, such as terrorism in the name of religion. One needs to follow the intuition when it comes to the observable content in order to arrive at the deeper mechanisms. The show, therefore, consists in strong emotions to which no form can rise. 

INFORMATION ABOUT THE CREATORS:

Cinema Theatre is a Polish interdisciplinary group of which work for the last 25 has been balancing between the theatre, dance, plastic arts and video. The Cinema has its own style - clear and immediately recognizable. Its dominant feature is a polyphonic structure of the shows. Despite not being a dramatic, musical or dance theatre it organically combines all these types of art, disclaiming a traditional perception thereof by the viewer at the same time. 

AKHE group was founded by three members of Boris Ponizovski theatre "Yes - No" (Maksim Isaev, Pavel Semtchenko, Vadim Vasiliev) in 1989. Immediately the group announced itself as independent (in term of styles and forms) and started their activity in a performance, cinema, fineart's fields. The group is permanent participant of theatre festivals in Russia and abroad. The members of the group take part in different theatre projects with other groups and theatres: Derevo (Rus-Germ), Lantaaren (Nederl), Toihaus (Austr), Slava Polunin (Russ). They work as artists, stage designers, film directors. But they still use their education, working as the painters and designers for artictic and public places. By virtue of told, and also, taking in acount a certain expeirence of AKHE group in the field of fine art, it is appropriate to speake about the group, as about Optical Theatre or Russian Engineering Theatre. AKHE uses scenic (ideal) Space including again (ideal) Light and Sound and consider themselves only as Operators. In this case the Space is one of the main characters of the show. The space mastered by the Operators is valuable and sufficient itself. Without ignorance of the real Theatre laws, but admiring its Signs, AKHE substitutes with desire: dramatic art (drama) by logic development of images and situations, rehearsals by zombeing themselves and psychological play by ependence on elementary physical laws. 

 

http://www.teatrcinema.pl/

https://www.facebook.com/TeatrCinema/

https://www.facebook.com/AKHE.Theatre/

http://www.akhe.ru/eng/

 

more

Warsztaty z Piotrem Borowskim / Perspektywy 2017

Warsztaty z Piotrem Borowskim / Perspektywy 2017

13.05.2017
Fabryka Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na warsztaty teatralne pt. "Wspólna przestrzeń naszych uczuć" prowadzone przez Piotra Borowskiego ze Studium Teatralnego w Warszawie, w ramach Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu

data: 13 maja 2017 (sobota)
godzina: 12:00 – 15:00 
miejsce: sala warsztatowa w niskim budynku Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3
prowadzący: Piotr Borowski (Studum Teatralne / Warszawa)
uczestnicy: warsztat kierowany do wszystkich osób zainteresowanych teatrem
wiek uczestników: 18+
liczba uczestników: 15 osób
dodatkowe informacje: na warsztaty prosimy zabrać wygodny, nie krępujący ruchów strój do ćwiczeń fizycznych i lekkie obuwie na zmianę
koszt: 70 zł
rezerwacje: 
mailowo: chorea.warsztaty@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)


OPIS WARSZTATU: 

"Wspólna przestrzeń naszych uczuć"

Piotr Borowski: Studium Teatralne ma za sobą wiele lat działalności bogatej w różnorodne doświadczenia i pomimo licznych zmian i ciągłych przeobrażeń jest w tej pracy coś, co jak linia przewodnia nieustannie nam towarzyszy. Tak jak na początku, tak i teraz, szukając spełnienia w teatrze, stoimy w obliczu pytania o obecność aktora na scenie, o to, co się wydarza tu i teraz; szukając spełnienia w życiu, pytamy się, czym jest nasza obecność, nasze bycie – bycie samemu, bycie z innymi i wobec innych. Chcemy choć trochę zbliżyć się do tajemnicy i, pracując razem, poczuć niejako na sobie muśnięcie prawdy.
Zawsze pojmowałem teatr jako działanie komplementarne i jako miejsce, które może sprzyjać wewnętrznemu rozwojowi człowieka.
Po 20 latach stało się dla mnie jasne, że to, co w tej pracy najważniejsze, nie może podlegać metodzie; że trening, próby, praca indywidualna i spektakle są żywe tylko wtedy, gdy otwierają wrota w nieznane.
Wiele starych tradycji mówi o tym, że nasza epoka, to wiek kłótni i hipokryzji. W takim czasie czuję szczególnie głęboką potrzebę dzielenia się z innymi swoim wieloletnim doświadczeniem. Jak iść „pod prąd” i paradoksalnie nie tracić, lecz nawiązywać kontakt z rzeczywistością? 

Zajęcia, które poprowadzę, będą toczyły się dwoma nurtami:
1 – praca nad jakością naszej obecności: nad jej organicznością, nad impulsem, klarownością myśli i intencji; nad wrażliwością i ruchem, który świadomie przejawia się poprzez ciało.
2 – wspólna kreacja, w której za punkt odniesienia posłuży nam Burza Williama Szekspira.


INFORMACJE O PROWADZĄCYM:

Piotr Borowski - aktor i reżyser teatralny. Twórca niezależnej warszawskiej sceny Studium Teatralne. W działalność teatralną zaangażowany jest od 1975 roku, kiedy związał się z teatrem "Laboratorium" Jerzego Grotowskiego. Brał udział m.in. w „Special Project” - projekcie organizowanym w ramach programu kultury czynnej oraz w przygotowaniach i realizacji Uniwersytetu Poszukiwań Teatru Narodów we Wrocławiu. W latach 1977-1983 był aktorem i muzykiem w grupie teatralnej "Gardzienice". W 1980 roku wraz z innymi członkami zespołu zrealizował własne przedstawienie „Już odchodzimy”, które było pokazywane podczas trzymiesięcznego projektu „Wyprawa zimowa” organizowanego w okolicach Białegostoku. Po wyjeździe do Włoch, w latach 1985-1993, Borowski pracował w Ośrodku Jerzego Grotowskiego ("Workcenter of Jerzy Grotowski") w Pontederze, gdzie współpracował m.in. z Thomasem Richardsem. W 1995 roku prowadził warsztaty teatralne w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie. W 1996 roku założył niezależną grupę teatralną Studium Teatralne. Ze Studium Teatralnym zrealizował do tej pory przedstawienia: „Miasto”, „Północ”, „Człowiek”, „Parsifal”, „Hamlet”, „Henryk Hamlet Hospital (H. H. H.)”, „Król kier znów na wylocie”, „Linia powrotu”, „Co się stało z naszą bajką?”, „Szepty ziemi”, „Party: take (a)part”, „Deadline”. Prowadził warsztaty teatralne dla aktorów i studentów szkół artystycznych w Brazylii, Anglii, Wenezueli, we Włoszech, Kolumbii, Szwecji, Białoruś oraz w Polsce. Jest także autorem filmu dokumentalnego „Koniec pieśni” (2007). Historia związana z powstawaniem filmu zaczęła się na przełomie 1980 i 1981 roku, kiedy Borowski z przyjaciółmi zorganizował „Wyprawę zimową”. Na taśmach magnetofonowych utrwalił wówczas śpiew spotykanych tam ludzi, także Białorusinów i Tatarów. W 2007 roku wrócił na Białostocczyznę, aby nagrania oddać wykonawcom lub ich rodzinom. Spotkania z mieszkańcami nagrywał. Powstał przejmujący film o ludziach i o ich świecie, który wraz z pieśniami odchodzi.

Warszawskie Studium Teatralne założył Piotr Borowski w 1995, po powrocie z Włoch, gdzie od 1986 do 1994 pracował z Jerzym Grotowskim - wcześniej był jednym ze współtwórców „Gardzienic”.
W 1997 r. wraz z zespołem powołał stowarzyszenie, które wynajęło pomieszczenie starej fabryki na Pradze Południe. Do dzisiaj jest to miejsce, w którym grupa pracuje, gdzie odbywają się próby, spektakle, warsztaty oraz spotkania z wybitnymi ludźmi teatru.
Od samego początku istnienia Studium Teatralnego grupa działa, jako niezależny zespół teatralny. Postawiła sobie za cel pogłębianie i szerzenie poczucia prawdy artystycznej, kładąc szczególny nacisk na to, żeby dotrzeć z tym przesłaniem do młodego pokolenia. Już od pierwszego spektaklu Studium Teatralne skupiło na sobie uwagę krytyki, autorytetów teatru, a także całego grona ludzi wywodzących się z różnych grup społecznych, których poruszyły przedstawienia zespołu. Komentując spektakle, mówiono o szczerym, niekoniunkturalnym przejęciu się problemami współczesności, w których centrum zawsze pozostaje człowiek poszukujący wyższego sensu; o szczególnej etyce pracy Studium Teatralnego, opartej na zespołowości i systematycznym, pełnym oddania wysiłku.
W dzisiejszych czasach, gdy zespoły teatralne bardzo szybko zamieniają się w sceny impresaryjne a ich praca często ogranicza się do krótkich przedsięwzięć, po których prędko ginie ślad, Studium Teatralne idzie inną drogą, drogą opierającą się na etosie zespołowości i ciągłej edukacji, co daje możliwości poszukiwania nowych środków wyrazu, pozwala na rozwój i dokonywanie artystycznych odkryć.
Studium Teatralne wielokrotnie występowało na festiwalach polskich i zagranicznych, między innymi: w USA, Szwecji, na Białorusi, we Włoszech, Wenezueli, Szwajcarii, Anglii, Rosji, Chorwacji, Niemczech, Francji, Mołdawii, Urugwaju, Argentynie, Kolumbii.


LINKI:

http://studiumteatralne.pl

https://www.facebook.com/steatralne/

https://www.instagram.com/steatralne/


REGULAMIN UDZIAŁU W WARSZTATACH:

- Pełna wpłata za warsztat musi być odnotowana na koncie bankowym Teatru CHOREA (organizatora) najpóźniej do 8 maja 2017.
- Numer konta bankowego: BPH SA 30 1060 0076 0000 3200 0092 1568 (IBAN: PL)
- W tytule przelewu należy umieścić imię i nazwisko uczestnika oraz nazwisko prowadzącego warsztat.
- Za rezygnację z warsztatu zgłoszoną do 8 maja 2017, Teatr CHOREAZ zwróci wpłatę na konto nadawcy. Rezygnacja zgłoszona po 8 maja 2017 oznacza brak możliwości odzyskania wpłaty.
- Organizator może wystawić fakturę VAT.
- W przypadku gdy nie zbierze się optymalna ilość uczestników ustalona z prowadzącym, warsztat zostaje odwołany, a wpłaty zwrócone na konto nadawcy.
- 8 maja 2017 Teatr CHOREA wyśle maile do wszystkich uczestników z informacją czy została utworzona grupa warsztatowa.
- Organizator ma prawo do odwołania warsztatów z przyczyn od niego niezależnych w późniejszym terminie. Zwracamy wtedy wszystkie opłaty na konta uczestników.
- Organizator zapewnia wodę, kawę i herbatę podczas warsztatów. Organizator nie zapewnia noclegów oraz posiłków uczestnikom warsztatów.

 

more

Festiwal Perspektywy 2017 - wywiady z artystami!

Festiwal Perspektywy 2017 - wywiady z artystami!

13-14.05.2017
Wywiady z Piotrem Borowskim (Studium Teatralne) i Zbigniewem Szumskim (Teatr Cinema)

Zapraszamy do lektury wywiadów z Piotrem Borowskim, założycielem Studium Teatralnego z Warszawy oraz Zbigniewem Szumskim, dyrektorem Teatru Cinema z Michałowic - gośćmi drugiej, majowej edycji Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu. 

 

"Bohaterowie awangardy"

 Z Piotrem Borowskim, reżyserem spektaklu „Deadline” oraz twórcą Studium Teatralnego w Warszawie, rozmawia Ewa Otomańska

Ewa Otomańska: Hasłem tegorocznej edycji festiwalu PERSPEKTYW jest teatr jako awangarda w działaniu. Co dla Pana oznacza termin „teatr awangardowy”?

Piotr Borowski: Awangarda oznacza dla mnie pewną nową jakość, zarówno formy jak i treści. Wydaje mi się, że dążenie ku awangardzie jest naturalną rzeczą dla artystów, ponieważ nikt nie chce się powtarzać, awangarda powinna być dla artysty czymś naturalnym co oznacza poszukiwanie nowych form i jego rozwój. Sądzę też, że ludzie mając do czynienia z nowym rodzajem sztuki, czerpią bardzo duże korzyści z takich wrażeń. Nie chodzi mi tylko o teatr ale i literaturę, film czy plastykę. Więc jest to bardzo sensowne i celowe żeby zadawać sobie, poprzez spotkanie z awangardą pytania o rzeczywistość w której w tej chwili jesteśmy. Od zawsze ten świat, podlega jakimś naturalnym zmianom i człowiekowi bardzo trudno jest za nimi nadążyć. Nie tylko widzowie ale w ogóle wszyscy ludzie chcą zrozumieć co takiego w świecie się dzieje, on cały czas ma w sobie wielką tajemnicę i na pewno warto jest podjąć ten wysiłek by próbować zbliżyć się do niej przez sztukę. Być może właśnie ten wysiłek i te próby są czymś najważniejszym. To jest dla mnie właśnie awangarda w działaniu.

E.O.: Jakie stanowisko powinien zajmować teatr wobec współczesnej rzeczywistości?

P.B.: Powinien podejmować próbę zrozumienia świata i jego opisu. Kiedy to się wykona należy iść z tą myślą dalej odkrywając kolejne przestrzenie do poszukiwań. Teatr powinien być lustrem w którym możemy się przejrzeć.

E.O.: W przeszłości miał pan szansę pracować z Jerzym Grotowskim i być częścią Teatru Laboratorium. Co myśli Pan na temat klasyfikowania niektórych grup teatralnych i projektów jako „ post-grotowskie” ?

P.B.: Nie wiem w jaki sposób na to odpowiedzieć. Cokolwiek by to nie znaczyło. Dla mnie jest to bezmyślne działanie. Mnie określenie „post-grotowskie” kojarzy się z czymś pustym, złym i beznadziejnie naśladowniczym. Przypomina mi też to co kiedyś Jerzy Grotowski mówił o inspiracji teatrem Juliusza Osterwy, od którego pochodzi logo teatru Laboratorium. On właśnie nie zgadzał się z tym złym mówieniem o Teatrze Reduta Osterwy. Pojawiały się głosy że to hucpa i że nikt nie wie o co w nim chodzi. Dla Grotowskiego był to jedyny teatr, który działał tak bardzo świadomie i wkładał tak wiele wysiłku w to, żeby znaleźć swoje miejsce, w odradzającym się wtedy kraju. Miał wielką kulturę, wielkie marzenia i miał swoje próby w zwracaniu się do młodzieży. Ja myślę że jest to sprawa, która może jednego ranić, drugiego denerwować, dla mnie takie mówienie jest po prostu złe.

E.O.: Wydaje mi się obserwując działalność wielu grup teatralnych i wypowiedzi różnych artystów, że takie mówienie przybiera dwa wymiary. Pierwszy to taki w którym termin „ teatr post-grotowski” określa pewną formę gry czy jakości, kojarzoną (często błędnie) z tym co robił Grotowski. Drugim wymiarem wykorzystania tego terminu jest chęć powołania się na legendę i przypięcia metki wskazującej na pewną idee pracy, nie zawsze postępując w myśl przywołanego etosu.

P.B: Jeśli ktoś w swoim działaniu świadomie powołuje się na tego człowieka, deklaruje tym samym, że teatr jest dla niego wszystkim. Jeśli jest w swoim działaniu szczery i oddany -jest dla mnie wielkim człowiekiem. Niestety ja osobiście takich grup nie widzę. Choć może istnieją gdzieś takie grupy, które próbują naprawdę zrobienie tego co on próbował robić w tamtym czasie. Zadają światu pytania, szukają odpowiedzi- to byłoby dla mnie coś wielkiego, gdyby ktoś powoływał się świadomie na jego znak i nazwisko, nie zapominając o etosie pracy.

E.O.: Podczas Pana spektakli, uwagę przyciąga imponujący warsztat, bardzo silna energia płynąca ze sceny,napięty sposób gry i trudne pytania stawiane przed widzami – czy to wszystko składa się na prawdę w Teatrze, jakiej chce szukać Studium?

P.B.: To już widz musi zadać sobie pytanie co dla niego w teatrze jest prawdą. Ja mogę mówić o moich marzeniach i o tym co ja robię. Dla mnie na pierwszym planie jest zawsze obecność aktora to jest to czemu ja poświęcam całą moją energię. W nieskończoność mogę robić próby i pracować nad spektaklem. Jeżeli naprawdę chcę coś zrobić to po prostu musi być to w pełni zrealizowane. Deadline jest dla mnie właśnie takim przedstawieniem, które próbuje mówić o współczesnych czasach. O tym jakie mogą być reperkusje naszych wyborów w przyszłości i jakie odpowiedzi może nam przynieść jutro.

E.O.: W spektaklu obserwujemy historie ponownych narodzin jednego człowieka przez wszystkie czasy, jego próby odkrycia prawdy, wzloty i upadki. Tego jak staje się katem, ofiarą oraz świadkiem zmieniającego się świata. Czy Deadline można uznać za spowiedź ludzkości, przez wszystkie czasy?

P.B.: Oczywiście pod względem aktorskim jest to trafione sformułowanie i uważam, że każdy aktor powinien stawać przed wyzwaniem pewnego rodzaju spowiedzi wobec sceny. Natomiast w spektaklu powiedziałbym raczej, że każde z przedstawionych żyć bohatera jest na nowo rozpoczętą próbą poszukiwania nadziei, relacji i spełnienia. Za każdym kolejnym razem klon mierzy się z coraz większym bagażem doświadczeń, wiedzą o własnych słabościach i uczuciem pustki. Mimo możliwości powrotu ,postanawia pogodzić się z naturą i decyduje się na ostatnie spotkanie ze światem. Nie oznacza to jednak w moim odczuciu jego klęski.

E.O.: Oglądając Deadline ma się wrażenie bezradności wobec czasu jaki nas osacza. W jaki sposób teatr jest w stanie stworzyć warunki do życia w którym nie będzie miało się poczucia przegranej? Tak by nie trzeba było nam wysyłać w przyszłość własnych klonów w poszukiwaniu sensu, czy teatr ma taką moc?

P.B.: To musiałby być bardzo dobry spektakl, który zmagałby się z tą niewolą współczesności i tymi wszystkimi cechami zarówno dobrymi jak i złymi, jakie nam wszczepiono; żebyśmy parli do przodu, żebyśmy byli ambitni, żebyśmy walczyli o swoje, żebyśmy byli bezwzględni.Nie wiem czyjest lepszy pisarz od Szekspira i Tołstoja, który ujawnił te cechy ludzkie. Musiałby to być naprawdę bardzo dobry spektakl, mało tego w tym spektaklu powinien być bohater, który wywalcza dla siebie tą wolność. Gdy robiliśmy z Grotowskim spektakl, czy to był Książę Niezłomny, czy Pan Ciemny z Apocalypsis, oni przegrywali. Albo byli ofiarami maltretowania albo wyganiano ich, mówiąc na końcu „idź i nie wracaj”. Współczesny bohater jest kimś w rodzaju superbohatera, on się ze wszystkiego śmieje, co mnie się podoba, bo skoro nie ma w co wierzyć, nie powinien dać się zwabić w pułapkitego świata. To już zależałoby od reżysera czy taki bohater byłby, pogodzony z losem czy relatywizował wszystko jako świadek współczesności. Przedstawienie musiałoby pokazać go w ferworze walki i mądrości. Wierzę ,że taki spektakl mógłby dużo wywalczyć.

E.O.: Sylwetka „bohatera” w teatrze stale ewoluuje. Teraz możemy zaobserwować w teatrze tendencje do kończenia spektakli klęską bohatera i unicestwieniem jego nadziei. Jednym zdaniem- „Im bardziej dramatycznie skończy się spektakl tym lepiej”. Rzadko kiedy możemy zobaczyć spektakl, który kończy się dobrze a wychodząc z teatru mamy poczucie, że jest nadzieja na stoczenie własnej wygranej walki.

P.B.: Tu ma Pani racje. To jest niezwykle trudne w teatrze, o wiele bardziej niż przyznanie się do porażki. Ja uważam, że ten dobry spektakl powinien mieć bohatera, który nie tyle co wygrywa ale doprowadza do sytuacji pogodzenia-zrównania sił. On nie wygrywałby batalii lecz widział wszystko z pewnego oddalenia by udowodnić że walka nie jest najważniejszą rzeczą i że to jednak o coś innego w życiu chodzi. 

 

 

"Działać znaczy ryzykować"

Rozmowa z reżyserem Zbigniewem Szumskim o awangardowości Teatru Cinema
oraz o pracy nad spektaklem "Nicea/14.VII" prezentowanym podczas drugiej edycji Festiwalu Perspektywy 2017
Rozmowę przeprowadził Wiktor Moraczewski

Wiktor Moraczewski: Tegoroczny Festiwal Perspektywy 2017 odbywa się pod hasłem: Teatr – awangarda w działaniu. Teatr awangardowy, czyli jaki?

Zbigniew Szumski: Teatr awangardowy, czyli teatr w działaniu.

W.M.: Czy w takim razie Teatr Cinema można określić jako teatr awangardowy? Co takiego kryje się pod słowem działać? Jak przekłada się to na Waszą pracę? Który spektakl jest w dorobku Waszego Teatru sztandarowym przykładem takiego rozumienia teatru awangardowego?

Z.S.: Nie robię żadnych wysiłków, żeby obejrzeć Teatr Cinema z zewnątrz. Od 25 lat pracujemy nad jednym spektaklem, kawałkujemy go i co jakiś czas pod różnymi tytułami prezentujemy. Rozwijamy się i starzejemy. Proces ten zawiera w sobie elementy optymistyczne i elementy, które przybierają formę ostrzeżenia. Od 24 lat gramy spektakl Nie mówię tu o miłości. Jak każdy sztandar łopocze nam niczym chorągiewka na dachu, w zależności od tego, jak zawieje wiatr. Jest awangardowy niezależnie od zmiennej pogody.

W.M.: Spektakl Nicea/14.VII bardzo silnie odnosi się do rzeczywistości i w krytyczny sposób ją komentuje. Działać to podejmować jakieś czynności w określonym celu. Jak wyglądała/wygląda Wasza praca nad spektaklem Nicea/14.VI, który zobaczymy już w sobotę na deskach łódzkiego Teatru CHOREA?

Z.S.: Latem 2016 roku wspólnie z aktorami Teatru AKHE pracowaliśmy nad Kartoteką Tadeusza Różewicza. W Kartotece rozrzuconej jest dopisana przez Różewicza scena improwizacji, w której aktorzy mają za zadanie "opowiedzieć codzienność" nagłówkami tytułów gazetowych. Można domyśleć się, że w intencji autora było zderzenie sytuacji prawdziwie dramatycznych z artykułami o treści banalnej relacjonujących np. życie celebrytów. Takie wydarzenie jak zamach w Nancy wstrząsnął nami jako ludźmi. Zrezygnowaliśmy ze sceny czytania gazet, można by powiedzieć, że zgnietliśmy gazety i wyrzuciliśmy do kosza. I żeby akt gniecenia gazet nie był jedynym aktem protestu, zdumienia i smutku postanowiliśmy w sposób ryzykowny, chociażby ze względu na krótki okres realizacji spektaklu, trzy dni prób, wyrazić swój gniew. Bez analiz, bez kontekstów politycznych, religijnych, społecznych, etycznych. Zwykły gniew. Pozwolę sobie zacytować Petera Sloterdijka z książki Gniew i czas: "Na początku pierwszego zdania fundamentalnego przekazu europejskiego, w inicjalnym wersie Iliady, pojawia się słowo gniew, fatalne i uroczyste niczym nie znoszący sprzeciwu apel […] Ten najbardziej niesamowity i najbardziej ludzki z afektów, czy należy go stosownie do tego tłumić, okiełznywać, hamować? Czy schodzi mu się pośpiesznie z drogi, ilekroć zapowiada się u innych i budzi w sobie samym? Czy należy poświęcić go zawsze dla zneutralizowanej, lepszej rozwagi? […] Stary świat utorował sobie własne drogi do gniewu, które nie mogą być już drogami ludzi współczesnych. Podczas gdy ci ostatni kierują się do terapeuty albo wybierają numer telefonu policji, światli ludzie przeszłości zwracali się ku zaświatom."

W.M.: Z gniewu zrodziło się działanie, zarówno to rozumiane jako proces twórczy, ale również jako wewnętrzny sprzeciw wobec niepokojącego wydarzenia – ataku terrorystycznego w Nicei z 14 lipca 2016 roku. Temat poruszany przez Was w tym spektaklu wzbogaci tegoroczną edycję Festiwalu Perspektywy w dość zaskakujący sposób. To nietypowe rozumienie pojęcia awangarda.

Z.S.: Jeszcze raz zacytuję Sloterdijka: "Na początku było słowo gniew i słowo to wywołało oczekiwany efekt". Spektakl nie jest kolejnym ćwiczeniem na temat – awangarda. Jest manifestacją emocji.

W.M.: Działacie ze znakomitym partnerem. Przy realizacji spektaklu Nicea/14.VII skonfrontowaliście swoje doświadczenia i wizje na tworzenie teatru z poglądami artystów związanych z AKHE Engineering Theatre z Petersburga. To musiała być prawdziwa mieszanka wybuchowa. Teatr Cinema ma przecież wyraźną i rozpoznawalną stylistykę. Jak wyglądało to niecodzienne spotkanie? Czy Wasze sposoby tworzenia teatru są do siebie w jakiś sposób zbliżone?

Z.S.: Bazą naszej pracy nad spektaklem jest improwizacja. Są tematy główne i są tematy błądzące. Co do improwizacji zgadzamy się z Teatrem Akhe. W Teatrze Cinema w czasie improwizacji występuje postać "obserwatora wypaczającego wyniki badań". Ja pełnię tę funkcję. W Teatrze AKHE mamy do czynienia z dwoma aktorami, którzy jednocześnie są reżyserami, scenografami i ich improwizacja ma charakter totalny i bliższy performance. W spektaklu Nicea/14.VII stosowaliśmy bardziej metodę Teatru Cinema. Czyli ja wybierałem elementy z improwizacji i komponowałem je.

W.M.: Publiczność festiwalowa powinna zobaczyć spektakl Nicea/14.VII, ponieważ…

Z.S.: Teatr AKHE Engineering Theatre z Petersburga w jednym spektaklu z Teatrem Cinema, to ryzykowne wydarzenie. Ryzykowny jest również temat, który grozi uproszczeniami. Emocje żądają hasłowych rozwiązań, zwłaszcza, że zmagamy się z informacją już przekształconą i udramatyzowaną przez media: "[…] Gniew, jak się zdaje, nie chce się już uczyć. Nie nabrał rozumu, a rozum nie nabrał gniewu".

Cytaty pochodzą z książki Peter Sloterdijk Gniew i czas, przełożonej przez Arkadiusza Żychlińskiego.

 

more

"Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium

"Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium

10.05.2017
Teatr Collegium Nobilium w Warszawie

Zapraszamy na pokaz spektaklu "Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium w Warszawie.

data: 10 maja 2017 (środa)
godzina: 20.30
bilety: 25 zł

Więcej informacji o wydarzeniu: https://tcn.at.edu.pl/studium-o-hamletach/

Spektakl "STUDIUM O HAMLETACH"
Na motywach tekstów: „Hamlet” Williama Szekspira, „Studium o Hamlecie” Jerzego Grotowskiego, „Studium o Hamlecie” Stanisława Wyspiańskiego
Twórcy: Teatr CHOREA, Akademia Teatralna im. A.Zelwerowicza w Warszawie

Reżyseria: Waldemar Raźniak, Tomasz Rodowicz
Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Choreografia: Janusz Adam Biedrzycki i zespół
Scenografia: Tomasz Rodowicz
Projekcja: Krzysztof Olszowiec, Paweł Klepacz, Tomasz Rodowicz
Światło: Tomasz Krukowski
Dźwięk: Marcin Dobijański

Hamleci: Martyna Byczkowska (Akademia Teatralna), Joanna Chmielecka (Teatr CHOREA), Anna Lemieszek (Akademia Teatralna), Elina Toneva (Teatr CHOREA), Janusz Adam Biedrzycki (Teatr CHOREA), Mateusz Burdach (Akademia Teatralna), Piotr Janusz (Akademia Teatralna), Michał Jóźwik, Aleksander Kaźmierczak (Akademia Teatralna), Jakub Kordas (Akademia Teatralna), Vova Makovskyi (Akademia Teatralna)

Pokazy premierowe odbyły się 1 i 2 kwietnia 2017, w ramach akcji „Dotknij Teatru”, Obchodów Międzynarodowego Dnia Teatru w Łodzi.

Warszawska Akademia Teatralna i łódzki Teatr CHOREA realizują wspólnie projekt teatralny pt. „Studium o Hamletach”, wyznaczający współczesne myślenie o Szekspirze, poprzez pryzmat tekstów Wyspiańskiego i Grotowskiego.

Studenci II i III-go roku wydziału aktorskiego Akademii Teatralnej i aktorzy Teatru CHOREA pod kierunkiem Waldemara Raźniaka i Tomasza Rodowicza podjęli próbę zmierzenia się z tekstem „Hamleta” Szekspira, sięgając do zachowanych scenariuszy spektaklu Jerzego Grotowskiego z roku 1964, zatytułowanych „Studium o Hamlecie”, do recenzji i relacji aktorów Teatru 13 Rzędów oraz do tekstu „Studium o Hamlecie” Stanisława Wyspiańskiego.

„Chcieliśmy postawić siebie w tym punkcie, w którym stał zespół Grotowskiego ponad 40 lat temu. W punkcie niewiadomej, w punkcie rozdroża i zapowiedzi klęski w obliczu mierzenia się z wielkim tekstem.” (T. Rodowicz)

Premierowe prezentacje spektaklu Raźniaka i Rodowicza poprzedzone zostały sesjami prób i treningów fizycznych nawiązujących do metody Grotowskiego, pracą z tekstem Szekspira i wspólnym budowaniem dramaturgii spektaklu. Aktorzy sami wyszukiwali w dramacie Szekspira teksty najbliższe ich własnym doświadczeniom. Spektakl przekracza fabułę dramatu i jest wzbogacony o osobiste wypowiedzi aktorów dotyczące ich życiowych wyborów i własnej tożsamości.

Spektakl jest próbą odpowiedzi na pytanie kim dziś jest Hamlet? Dlaczego Grotowski za Wyspiańskim umieścił go na polskiej wsi, na cmentarzu? I najważniejsze: czy można dziś Grotowskim czytać Szekspira?

„Projekt nawiązuje do awangardy teatralnej lat sześćdziesiątych, którą reprezentował Teatr Laboratorium Jerzego Grotowskiego, co zbiega się z ogłoszeniem roku 2017 rokiem stulecia awangardy polskiej. Nie tworzymy jednak żadnej rekonstrukcji dzieła Grotowskiego. Zainspirowani odwagą i klęską tamtej próby szukamy własnej narracji i własnego ryzyka. Przekroczeniem typowych metod budowania spektaklu jest u nas sposób potraktowania tekstów zarówno Szekspira, Wyspiańskiego jak i Grotowskiego. Nikt do tej pory takiej próby nie podjął.” (T. Rodowicz)

more

Archive

x
Jeśli chcesz otrzymywać informacje o wydarzeniach Teatru Chorea zarejestruj się.