W niedzielę, 24 września 2017, na scenie Teatru Wielkiego, łódzcy recenzenci teatralni rozdali swoje doroczne nagrody - Złote Maski.

Złota Maska za najlepsze wydarzenie na scenie off w sezonie 2016/2017 przypadła Teatrowi CHOREA za "Międzynarodowy Festiwal Teatralny Retroperspektywy 2016 - Teatr naznaczony muzyką"!

Dziękujemy ogromnie, gratulujemy wszystkim laureatom i zapraszamy na Festiwal Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu! 

Więcej informacji: http://www.dzienniklodzki.pl/kultura/teatr/a/zlote-maski-2017

Zapraszamy na spektakl „Nie mów nikomu”, w reżyserii Adama Ziajskiego, w ramach trzeciego cyklu Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu

data: 24 września 2017 (niedziela)
godzina: 19:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
czas trwania: 70 minut
wiek widzów: od 16 roku życia
bilety: 20 zł ulgowy / 30 zł normalny
rezerwacje:
mailowo: teatrchorea@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)

Spektakl grany w języku migowym z polskimi napisami.

Po spektaklu zapraszamy na spotkanie z twórcami przedstawienia.


INFORMACJE O SPEKTAKLU: 

„Nie mów nikomu”
Spektakl z udziałem osób niesłyszących, inspirowany osobistym doświadczeniem twórców, a także reportażem Anny Goc pt. "Głusza"

Scenariusz i reżyseria: Adam Ziajski
Występują: Jacek Frąckowiak, Zofia Mądra, Kazimierz Mądry, Natalia Nowak, Piotr Nowak, Dominika Mroczek - Dąbrowska, Adam Ziajski
Wideo: kolektyw WOOOM visuals
Dźwięk: Maciej Frycz
Kostiumy i scenografia: Grupa Mixer
Produkcja: Centrum Rezydencji Teatralnej SCENA ROBOCZA
Premiera: 25.11.2016

Nagrody:
Grand Prix dla najlepszego spektaklu TOPOFFFestival 2017 w Tychach.
Nagroda im. Zygmunta Duczyńskiego dla indywidualności artystycznej festiwalu KONTRAPUNKT 2017 dla Adama Ziajskiego. 

„Jestem głęboko przejęty i zawstydzony stanem językowej wspólnoty. Mam nieodparte wrażenie, że używanie słów i ich znaczeń z coraz większą intensywnością staje się narzędziem zbiorowej konfrontacji, walki wszystkich ze wszystkimi. Nie budujemy przestrzeni do spotkania w dialogu, szacunku i wzajemnym zrozumieniu. Daliśmy przyzwolenie na życie w świecie budowanym ze strachu i uprzedzeń, w świecie, w którym zawłaszczanie języka realizuje się w fakcie odbierania innym prawa do głosu.
Do realizacji spektaklu zaprosiłem osoby niesłyszące. Wśród nich jest również jedna osoba niewidoma. Na początku czułem się zawstydzony tym jak reaguję i co o nich wiem. Dzisiaj chciałbym krzyknąć: wybieram milczenie! Ale jak tu wykrzyczeć takie wyznanie?”
Adam Ziajski

„Nie mów nikomu” to udana próba oswojenia nas z losem ludzi wykluczonych. Ziajski twierdzi, że głuchoniemi są wykluczeni najskrajniej, bo ich izolacja polega właśnie na niemożności skutecznego porozumienia się z resztą społeczeństwa. Coś w tym jest. Bez sentymentalizmu, bez epatowania tragizmem ich losu, z czytelnym, pomysłowym uteatralnieniem ich narracji, no i z pozbawieniem nas – normalsów uprzywilejowanej pozycji dzięki prostemu „manewrowi głośnikowo-słuchawkowemu”.
(Juliusz Tyszka, Teatralny.pl)

„Gdy patrzyłem na owacje na stojąco, pomyślałem, że odkrywanie drugiego człowieka może być równie mocno poruszające jak sztuka.”
(Marek Bochniarz, „Gazeta Wyborcza”)

INFORMACJE O TWÓRCACH:

Adam Ziajski – (ur. w 1972 r. w Poznaniu), aktor, reżyser, absolwent kulturoznawstwa na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu. Założyciel Teatru Strefa Ciszy, współtwórca Centrum Rezydencji Teatralnej "Scena Robocza". W latach 1988–1990 związany z Klubem Literackim "Lewitacje", a także z Niezależną Grupą Twórców "Imperatyw". Początkiem teatralnych poszukiwań Ziajskiego stała się fascynacja Jerzym Grotowskim.
Według reżysera kluczowym motorem do zaistnienia teatru jest spotkanie, a teatr jest niczym innym jak odbywającym się tu i teraz spotkaniem. Akorzy w jego spektaklach nie uzurpują sobie prawa do bycia jedynie artystami. Poprzez interaktywność ich aktorskich działań, dochodzi do powstania wspólnoty, między aktorami a widzami, między ludźmi. Taka wielopoziomowa integracja, która umożliwia zaistnienie wspólnoty, ma zdaniem Ziajskiego, wymiar terapeutyczny. Spektakle Ziajskiego powstają z inspiracji człowiekiem i jego codzienną aktywnością, która realizuje się w: pracy, zabawie, rytuale związanym z życiem codziennym. Z powodu zainteresowania człowiekiem jako takim, jego naturalnością, Adam Ziajski nie zaprasza do współpracy zawodowych aktorów. Swoim aktorom Ziajski radzi: "Staraj się jak najmniej kombinować, po prostu bądź" To właśnie poprzez jak najbardziej naturalne bycie, przy jak najmniejszej teatralności zachowania aktora, reżyser stara się, by spektakle jego zespołu były wiarygodne i autentyczne dla widza. Często Adam Ziajski pełni w swoich spektaklch podwójną rolę. Jest równocześnie aktorem i reżyserem. Jego reżyserska praca nie kończy się na próbie generalnej, a spełnia się dopiero w czasie teatralnej akcji.

Spektakl „Nie mów nikomu”, który miał swoją premierę pod koniec listopada 2016 roku, wziął się z utrapień i niepokojów swego głównego twórcy: „Mniej więcej od roku chodził mi po głowie pewien problem. Dotyczy języka. Atmosfera wokół nas niepokojąco gęstnieje. Język nam się zohydził i zdegenerował. Dominuje w nim duch konfrontacji, nienawiści, przemocy. Z ekranów i głośników sączy się narodowa paplanina pełna frazesów, hipokryzji, przeinaczeń, wulgarności i wzajemnych pomówień. Na tej powodzi językowego błota żerują wszyscy. Politycy, media, a nawet drobni rzemieślnicy od kijów baseballowych. To wszystko tylko nas oddala od siebie. Dzisiaj nawet zwykła rozmowa z dawno niewidzianym znajomym może przypominać taniec saperów na polu minowym. Naszą narodową dyscypliną stało się wzajemne wykluczanie. W życiu prywatnym, publicznym, a szczególnie w sieci. Dookoła wszystko spsiało. Bardzo mnie to smuci i martwi. Długo myślałem nad tym, kogo bym upoważnił do zabrania głosu w tej sprawie. Wybrałem ludzi głuchych, bo to najbardziej wykluczona grupa społeczna. Wydało mi się to bardzo istotne również z teatralnego punktu widzenia. Bo język migowy jest niezwykle choreograficzny. Trójwymiarowy”.

RECENZJE SPEKTAKLU:
http://teatralny.pl/recenzje/zza-szyby-po-wegiersku,1802.html
https://kulturalnemedia.pl/teatr/nie-mow-nikomu/

TRAILER SPEKTAKLU:
https://www.youtube.com/watch?v=9UyY9xyu8UU

WAŻNE INFORMACJE DOTYCZĄCE SPOSOBU REZERWACJI BILETÓW:

W mailu prosimy podać imię i nazwisko, ilość rezerwowanych biletów i określić czy będą to bilety normalne czy ulgowe.

Do zakupu biletów ulgowych upoważnione są osoby, które zakupiły bilety na więcej niż jedno wydarzenie Festiwalu Perspektywy 2017, grupy zorganizowane (powyżej 10 osób), osoby niepełnoletnie (do 18 roku życia), uczniowie, studenci, emeryci, renciści, osoby niepełnosprawne, osoby powyżej 80 roku życia oraz osoby objęte ulgą ustawową.

System rezerwacji biletów zamykamy po wyczerpaniu limitu miejsc, lub o godz 18:00 w dniu poprzedzającym wydarzenie.

Bilety można odebrać w dniu wydarzenia, najwcześniej godzinę przed jego rozpoczęciem lub w biurze Teatru CHOREA (pokój nr 18, budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3), od 5 września, od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00.

Płatność za bilety przyjmujemy wyłącznie gotówką.
Rezerwacje wygasają 15 minut przed rozpoczęciem wydarzenia.

"Współczesne plemię"

Wywiad Katarzyny Mańko z Michałem Ratajskim - twórcą choreografii w spektaklu "Oratorium ziemi".

Katarzyna Mańko: Tematem przewodnim tegorocznej edycji Festiwalu Perspektywy jest AWANGARDA. Jak rozumiesz to pojęcie?

Michał Ratajski: Im dłużej o tym myślę, tym bardziej się zastanawiam czy je rozumiem. Nie pracuję w tym projekcie tylko ze względu na temat Festiwalu. Nie wiem czy kategoryzowanie takich wydarzeń jest w ogóle potrzebne… Osobiście nie jestem tego fanem. Czy ja jestem twórcą awangardowym? Nie wiem. Dla jednych jestem artystą kontrowersyjnym, dla innych współczesnym, jeszcze dla innych być może zachowawczym lub nijakim. Tworzę to co czuję, co myślę, często z wieloma znakami zapytania. Koniec końców podpisuję się pod projektem swoim imieniem i nazwiskiem – po prostu i nigdy nie myślałem o tym, żeby się klasyfikować. Świat robi to skutecznie i nieustannie za nas, mniej lub bardziej sprawiedliwie. Pracuję nad projektami, które mnie po prostu interesują. Zawsze kieruje mną ciekawość, która w pracy twórczej, ale i w życiu jest dla mnie najważniejsza. Chodzi o to, by energię kierować tam gdzie chcemy, a nie tam gdzie powinniśmy/musimy. Czuję, że w Oratorium Ziemi są poruszone dużo ważniejsze i ciekawsze zagadnienia niż awangarda sama w sobie.

K.M: Co zatem jest dla Ciebie najważniejsze w tym projekcie?

M.R: Na przykład temat plemienności, natury czy chociażby powrotu do korzeninaszej świadomości. Ciekawią mnie dawna mądrość, doświadczenia, niekoniecznie dobre i ich konsekwencje dla współczesności. Weźmy chociażby pod uwagę przewrót jaki się dokonał w naszej słowiańskiej kulturze. Analizujemy to pod kątem zysków i strat jakie przyniosło nam chrześcijaństwo. O tym warto dyskutować.

K.M: Oratorium Ziemi zapowiada się jako ogromne przedsięwzięcie. Wezmą w nim udział kompozytor Igor Gawlikowski, Chór Teatru CHOREA, zespół muzyczny Kormorany oraztancerze Teatru Tańca KIJO i aktorzy z Teatru CHOREA. Ponadtocałość reżyseruje Tomasz Rodowicz - dyrektor Teatru CHOREA. W spektaklu mają pojawić się także wizualizacje. Jak połączyć te wszystkie dziedziny sztuki by tworzyły spójną całość i mogły równoprawnie „zabierać głos”?

M.R: Jesteśmy jeszcze w trakcie prób, więc sami szukamy odpowiedzi na to i wiele innych pytań. Projekt powstaje w ramach zamówień kompozytorskich z Instytutu Muzyki i Tańca, więc jest to przede wszystkim koncert, jednak nie w tradycyjnym rozumieniu. Chcemy stworzyć przestrzeń dialogu między tymi dziedzinami sztuki. Tancerz nie zawsze musi ruszać się do muzyki, tak jak i śpiew jej nie wymaga. Cisza czy oddech też stają się w tym rozumieniu muzyką. Nie chodzi też o to, by ilustrować muzykę poprzez ruch, lecz o poszukiwanie połączeń wzajemnego przenikania się, wielotorowości wyrazu i współistnienia w jednym środowisku wypowiedzi jakim jest Oratorium Ziemi. Nie chcemy, żeby jedna ze sztuk naśladowała drugą. To by było za proste rozwiązanie, wręcz nudne.

K.M: Czego wymagasz od aktorów w trakcie prób?

M.R: Przede wszystkim obecności <śmiech>. Po drugie wymagam ciekawości tego co robią,czemu poświęcają czas i energię, bo to rodzi zaangażowanie w naturalny sposób i stwarza przestrzeń do nieustannego poszukiwania. Nigdy nie kończąc pracy nad spektaklem, przedłużamy jego życie zachowując jego autentyczność, świeżość, pozwalając mu rozwijać się dalej. Przy Oratorium pracujemy przede wszystkim nad wspólnotowością. Nasze „plemię” składa się z wyjątkowych artystów, z których każdy wnosi coś oryginalnego i swojego do projektu. Poprzez połączenie tej ludzkiej tkanki, dokopujemy się do niezwykle cennego materiału. Temat, który obraliśmy wymaga od nas ciągłego rozpoznania. Unikamy gotowych rozwiązań, wychodzimy poza strefę komfortu. Nie chcemy powielać schematów znanych z wcześniejszych projektów Teatru Tańca KIJO, którą reprezentuję, czy działań Teatru CHOREA, przy których pracował Tomasz Rodowicz. Nie koncentrujemy się także na działaniach solowych. Tworzymy grupę i nikogo nie wyróżniamy. Poszukujemy indywidualności w ramach wspólnoty współczesnego „plemienia”.

K.M: W jaki sposób przenieść widza w ten świat pradawnych Słowian?

M.R: Na pewno nie będziemy odtwarzać dawnych rytuałów. Nikt z nas nie żył w tamtych czasach, więc trudno byłoby nam to zrobić. Pracujemy przede wszystkim nad pojęciem wspólnoty w dzisiejszych czasach. Zastanawiamy się czy będąc uwarunkowani przez media, przez masowy odbiór, bombardowani milionem bodźców w oderwaniu od natury, czy jesteśmy w stanie tworzyć takie wspólnoty? Koncentrujemy się na oddechu, na wytworzeniu wspólnej energii grupy, na jej rytmie. Mamy nadzieję, że widz będzie za nami podążał, Oratorium Ziemi to otwarte zaproszenie, by odbyć z nami tę podróż.

K.M: Na kiedy zaplanowana jest premiera?

M.R: Premiera odbędzie się 23 września w Teatrze CHOREA na scenie Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, podczas 3 edycji Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr – awangarda w działaniu.

K.M: Co dalej ze spektaklem? Planujecie późniejsze prezentacje?

M.R: Na razie chcemy się skoncentrować na nadchodzącej premierze oraz na trwających jeszcze przez cały wrzesień próbach. O tym, co dalej będziemy myśleć później.

Zapraszamy na premierę spektaklu muzyczno-tanecznego „Oratorium ziemi” w reżyserii Tomasza Rodowicza, do muzyki Igora Gawlikowskiego, w ramach trzeciego cyklu Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu

Informujemy, że wszystkie miejsca na premierę spektaklu muzyczno-tanecznego "Oratorium ziemi" zostały już zarezerwowane!
Mamy jeszcze miejsca na drugie wydarzenie wrześniowej edycji Festiwalu Perspektywy - spektakl "Nie mów nikomu" w reżyserii Adama Ziajskiego. 
Dziękujemy ogromnie za wszystkie zgłoszenia!

data: 23 września 2017 (sobota)
godzina: 19:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
czas trwania: 90 minut (bez przerw)
wiek widzów: powyżej 12 roku życia
wstęp: bezpłatny, konieczna wcześniejsza rezerwacja miejsc
rezerwacje:
mailowo: teatrchorea@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)

Po spektaklu zapraszamy na spotkanie z twórcami przedstawienia.

INFORMACJE O SPEKTAKLU:

„Oratorium ziemi”
Multimedialny spektakl muzyczno-taneczny na chór, zespół rockowy elektronikę i tancerzy 

Kompozycja: Igor Gawlikowski
Reżyseria: Tomasz Rodowicz
Choreografia: Michał Ratajski
Projekcje wizualne: Monika Urbańczyk
Kostiumy: Anna Przybyt
Reżyseria światła: Tomasz Krukowski
Reżyseria dźwięku: Marcin Dobijański

Obsada:

Zespół Kormorany w składzie: Andrzej Hejne, Marcin Witkowski, Igor Gawlikowski, Jacek "Tuńczyk" Fedorowicz, Krzysztof "Konik" Konieczny, Piotr "Bluesman" Jankowski, Artur "Gaja" Krawczyk

Śpiew: Olga Chojak, Joanna Skowrońska

Tancerze Teatru CHOREA i Teatru Tańca KIJO w składzie: Janusz Adam Biedrzycki, Emilia Biskupik, Majka Justyna, Aleksandra Korniejenko, Sara Kozłowska, Adam Kuza, Małgorzata Lipczyńska, Ewa Otomańska, Natalia Sobkiewicz

Chór Teatru CHOREA w składzie: Joanna Chmielecka, Katarzyna Haniszewska, Agnieszka Krzemińska, Anna Przybyt, Aleksandra Rutowicz, Justyna Sobieraj-Bednarek, Aleksandra Szałek, Elina Toneva, Paulina Tralewska, Maciej Bednarek, Marcin Kobyliński
Prowadzenie chóru: Tomasz Krzyżanowski

Premiera: 23.09.2017, w ramach Festiwalu Teatralnego Perspektywy 2017, scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi


„To koniec świata, w którym człowiek był częścią Natury.” 

„Oatorium ziemi” to multimedialny spektakl muzyczno-taneczny, na chór, zespół rockowy elektronikę i tancerzy, inspirowany kulturą pradawnych Słowian, odwołujący się do korzeni kultury z pogranicza chrześcijaństwa.

W tym projekcie chcemy przypomnieć pierwotne piękno i siłę natury, z czasów, gdy człowiek stanowił jej nierozerwalną tkankę. Człowiek, który jest częścią świata przyrodzonego - od czasu, gdy coraz to nowymi narzędziami zaczął panować, władać i eksploatować Ziemię, aż do granic jej wytrzymałości - staje się coraz większym zagrożeniem dla samego siebie. Nadszedł czas na to, abyśmy w nas samych zaczęli szukać narzędzi do przywrócenia żywej relacji człowieka z naturą i do odzyskania nadziei dla nas wszystkich - że jeszcze nie jest na to za późno.

W spektaklu usłyszymy współczesne kompozycje muzyczne autorstwa Igora Gawlikowskiego, w wykonaniu legendarnego zespołu rockowego Kormorany, od lat związanego z awangardową sceną muzyczną i teatralną Wrocławia. Zespołowi towarzyszyć będą: pieśniarki i etnolożki Olga Chojak i Joanna Skowrońska oraz Chór Teatru CHOREA - znany ze swych wykonań i interpretacji pieśni tradycyjnych i ludowych, pochodzących z różnych stron świata. Oratorium nie jest jednak kolejną odsłoną prezentacji muzyki folk. To multimedialny performens, inspirowany pradawnymi pieśniami i archaicznymi technikami ich wykonywnania. Całość wraz z organiczną, dynamiczną choreografią w wykonaniu tancerzy z Teatru CHOREA i Teatru Tańca KIJO oraz poetyckimi wizualizacjami przyrody, współtworzy wielobarwny, wielowymiarowy, archaiczny obraz naszych praprzodków.

INFORMACJE O TWÓRCACH I WYKONAWCACH:

KORMORANY to formacja muzyczna uznawana przez wielu za legendę polskiej alternatywy. Autorzy niesamowitych plastyczno-muzycznych happeningów, mistrzowie muzyki teatralnej i filmowej. Zespół powstał spontanicznie, rozwija się we własnym tajemniczym kierunku i nigdy nie zmieścił się w żadnych klasyfikacjach, nawet jeśli przez wiele lat podporządkowywany był potrzebom teatralnym. Muzyka Kormoranów, chociaż faktycznie wywodzi się z performansu, nigdy nie stanowiła tylko prostego podkładu dla scenicznych działań. Sama w sobie jest tak plastyczna, że równie dobrze nadawałaby się do galerii sztuki jako "dźwiękowe obrazy bez ramy", "zmiennokształtne rzeźby muzyczne" czy "instalacje sonorystyczne". Inne porównanie to "muzyka do filmu bez filmu", ponieważ w tym wypadku to właśnie ona przywołuje wizje i opowiada historie. Te niezwykłe właściwości są zasługą wyjątkowej spółki kompozytorów-wykonawców, którzy od ponad 25 lat spotykają się we wspólnych eksperymentach i poszukiwaniach. Niezależnie od kontekstu, w jakim chciałoby się postawić ich muzykę, Kormorany potrafią zaczarować dźwiękiem.

Teatr CHOREA to grupa artystów, performerów, muzyków, tancerzy, aktorów, praktyków i teoretyków teatru. Nazwę zapożyczyła od starogreckiego terminu oznaczającego trójjednię muzyki, słowa i ruchu. Teatr powstał w 2004 roku w Lublinie. Od 2007 roku posiada swoje stałe miejsce w dawnych fabrykach Scheiblera przy ul. Tymienieckiego 3 w Łodzi, gdzie wraz z fundacją Łódź Art Center tworzy Fabrykę Sztuki.
W początkach działalności twórczej Teatr realizował badania nad źródłami tańca i muzyki, eksplorując kulturę Antyku. Obecnie zajmuje się współczesnymi formami teatru, muzyki, tańca, sztuki performance i współczesnym materiałem literackim, tworząc spektakle, w których konfrontują się tradycja i nowoczesność. Zespół wytworzył własną technikę treningu, polegającą na pracy z ciałem, głosem i rytmem, pracy z partnerem i pracy w grupie. Celem metody jest badanie materii ruchu, dźwięku i słowa, połączonych w integralną całość. Zespół teatru koncentruje się również na pracy w środowiskach zagrożonych wykluczeniem społecznym. CHOREA współpracuje z wieloma grupami i artystami z całego świata. Prowadzi cykle warsztatów teatralnych i muzycznych w Polsce i za granicą. Od 2010 roku, naprzemiennie, co dwa lata, organizuje międzynarodowy Festiwal Teatralny Retroperspektywy i ogólnopolski Festiwal Teatralny Perspektywy. Przy teatrze działają grupy artystyczne: Chór Teatru CHOREA, Brzydal, Vidomi, Ciemność i Take Over. 
http://www.chorea.com.pl/pl/ 

Teatr Tańca KIJO to taneczna platforma stanowiąca przestrzeń dla spotkania, wymiany doświadczeń, współpracy, działania. W procesie współ/tworzenia poszukuje na gruncie improwizacji, kontakt improwizacji, tańca współczesnego, teatru fizycznego, podstaw sztuk walki, szeroko pojętego Ruchu. Wynika to z różnorodnych doświadczeń scenicznych specjalizacji członków grupy. Każdy wnosi coś do grupy i każdy może się od kogoś czegoś nauczyć, a wspólny mianownik czyli RUCH przekłada się na nasze działania. Za punkt wyjścia do kreowania i odkrywania obiera ciekawość, a to co ważne, to Spotkanie.
https://www.facebook.com/KIJO-133531206712754/ 

Chór Teatru CHOREA (dawniej Wielki Chór Młodej Chorei) to formacja muzyczna, która powstała latem 2011 roku w Teatrze CHOREA w Łodzi. To grupa muzycznych fascynatów, którzy lubią razem śpiewać. Różni ich wiele: wiek, doświadczenie, zainteresowania, pochodzenie, profesje. Łączy pasja do muzyki i śpiewania. Członkowie chóru spotykają się regularne na cotygodniowych próbach, na których pod okiem Tomasza Krzyżanowskiego rozwijają swój warsztat muzyczno-rytmiczny i doskonalą się w śpiewaniu. W swoim repertuarze mają pieśni z całego świata: greckie, bułgarskie, gruzińskie, afrykańskie, skandynawskie i wiele, wiele innych.
Grupa ma na swoim koncie udział w projekcie "Oratorium Dance Project" nagrodzonym „Energią Kultury 2011” i „Złotą Maską”, udział w spektaklach Teatru CHOREA: „Bachantki” i „Szpera ‘42”, w koncercie CHOREI "Lulabajki" m.in. z udziałem Natalii Przybysz, Piotra Roguckiego, Krzysztofa Zalewskiego, w spektaklu "DERBY.Białoczerwoni" w reżyserii Tomasza Rodowicza, w widowisku ulicznym "Dialogus de Passione#Pasja Dialogu" w reż. Konrada Dworakowskiego, oraz w koncercie "L.Story" do muzyki zespołu L.Stadt. Chór uczestniczył w nagraniach dwóch albumów muzycznych: „Lulabajki”, (Teatr CHOREA, 2015, Universal Music Polska) i "L.Story" (zespół L.Stadt, 2017, Mystic Production).
http://www.chorea.com.pl/pl/projekty/chor-teatru-chorea/
https://www.facebook.com/ChorTeatruCHOREA/ 

Projekt doofinansowany ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach programu „Zamówienia kompozytorskie”, realizowanego przez Instytut Muzyki i Tańca.

WAŻNE INFORMACJE DOTYCZĄCE SPOSOBU REZERWACJI MIEJSC: 

W mailu prosimy podać imię i nazwisko, ilość rezerwowanych miejsc (nie więcej niż 5 miejsc w jednym zgłoszeniu).

System rezerwacji zamykamy po wyczerpaniu limitu miejsc, lub o godz 18:00 w dniu poprzedzającym wydarzenie.

Bezpłatne wejściówki można odebrać w dniu wydarzenia, najwcześniej godzinę przed jego rozpoczęciem lub w biurze Teatru CHOREA (pokój nr 18, budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3), od 5 września, od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00.

Zapraszamy na warsztaty teatralne pt. "Ćwiczenia z niewidzenia” prowadzone przez reżysera i aktora - Adama Ziajskiego, w ramach Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu!

data: 23 września 2017 (sobota)
godzina: 15:00 - 18:00
miejsce: sala A_120, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi, budynek A, ul. Tymienieckiego 3

prowadzący: Adam Ziajski
uczestnicy: uczestnikiem może być każda osoba, która nie nie cierpi na nyktofobię lub klaustrofobię
wiek uczestników: 18+
liczba uczestników: 15 osób
dodatkowe informacje: Uczestnicy muszą przed warsztatem zdeponować telefony, zapalniczki i wszelkie inne przedmioty mogące generować światło. Na warsztaty prosimy zabrać wygodny, nie krępujący ruchów strój i wygodne obuwie na zmianę.

koszt: 70 zł
rezerwacje:
mailowo: chorea.warsztaty@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)

OPIS WARSZTATU:

Warsztat jest trzygodzinnym eksperymentem odbywającym się w absolutnej ciemności. W jego trakcie uczestnicy będą poszukiwali z prowadzącym form komunikacji zmierzających do wyzbycia się swoich ograniczeń w obszarze wzajemnej samooceny i wartościowania dyktowanego przez widzenie. Chwilowe wyłączenie zmysłu wzroku jako funkcji analitycznej ma w szczególny sposób zogniskować naszą uwagę na pozostałych zmysłach.

INFORMACJE O PROWADZĄCYM:

Adam Ziajski – (ur. w 1972 r. w Poznaniu), aktor, reżyser, absolwent kulturoznawstwa na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu. Założyciel Teatru Strefa Ciszy, współtwórca Centrum Rezydencji Teatralnej "Scena Robocza". W latach 1988–1990 związany z Klubem Literackim "Lewitacje", a także z Niezależną Grupą Twórców "Imperatyw". Początkiem teatralnych poszukiwań Ziajskiego stała się fascynacja Jerzym Grotowskim.
Według reżysera kluczowym motorem do zaistnienia teatru jest spotkanie, a teatr jest niczym innym jak odbywającym się tu i teraz spotkaniem. Akorzy w jego spektaklach nie uzurpują sobie prawa do bycia jedynie artystami. Poprzez interaktywność ich aktorskich działań, dochodzi do powstania wspólnoty, między aktorami a widzami, między ludźmi. Taka wielopoziomowa integracja, która umożliwia zaistnienie wspólnoty, ma zdaniem Ziajskiego, wymiar terapeutyczny. Spektakle Ziajskiego powstają z inspiracji człowiekiem i jego codzienną aktywnością, która realizuje się w: pracy, zabawie, rytuale związanym z życiem codziennym. Z powodu zainteresowania człowiekiem jako takim, jego naturalnością, Adam Ziajski nie zaprasza do współpracy zawodowych aktorów. Swoim aktorom Ziajski radzi: "Staraj się jak najmniej kombinować, po prostu bądź" To właśnie poprzez jak najbardziej naturalne bycie, przy jak najmniejszej teatralności zachowania aktora, reżyser stara się, by spektakle jego zespołu były wiarygodne i autentyczne dla widza. Często Adam Ziajski pełni w swoich spektaklch podwójną rolę. Jest równocześnie aktorem i reżyserem. Jego reżyserska praca nie kończy się na próbie generalnej, a spełnia się dopiero w czasie teatralnej akcji.

REGULAMIN UDZIAŁU W WARSZTATACH:

- W warsztatach mogą brać udział osoby powyżej 18 roku życia.
- Każdy uczestnik bierze udział w warsztatach wyłącznie na własną odpowiedzialność.
- Każdy uczestnik powinien mieć aktualne ubezpieczenie NNW, w razie wypadku organizator: Teatr CHOREA nie ponosi odpowiedzialności.
- Uczestnik warsztatów wyraża zgodę na publikowanie swojego wizerunku w celach relacji z wydarzenia i jego promocji na wszelkich nośnikach multimedialnych w Internecie, prasie, telewizji oraz na nośnikach reklamowych innego typu.
- Koszt warsztatu “Ćwiczenia z niewidzenia” prowadzonego przez Adama Ziajskiego, organizowanego przez Teatr CHOREA, w dniu 23 września 2017, w godz. 15:00-18:00, wynosi 70 zł. Jest to pełna opłata za warsztat i nie może być pomniejszona w zależności od mniejszej ilości godzin warsztatowych, w których uczestnik weźmie udział.
- Pełna wpłata za warsztat musi być odnotowana na koncie bankowym Teatru CHOREA (organizatora) najpóźniej do 18 września 2017.
- Numer konta bankowego: BPH SA 30 1060 0076 0000 3200 0092 1568 (IBAN: PL)
- W tytule przelewu należy umieścić imię i nazwisko uczestnika oraz nazwisko prowadzącego warsztat.
- Za rezygnację z warsztatu zgłoszoną do 15 września 2017, Teatr CHOREAZ zwróci wpłatę na konto nadawcy. Rezygnacja zgłoszona po 15 września 2017 oznacza brak możliwości odzyskania wpłaty.
- Organizator może wystawić fakturę VAT.
- W przypadku gdy nie zbierze się optymalna ilość uczestników ustalona z prowadzącym, warsztat zostaje odwołany, a wpłaty zwrócone na konto nadawcy.
- 18 września 2017 Teatr CHOREA wyśle maile do wszystkich uczestników z informacją czy została utworzona grupa warsztatowa.
- Organizator ma prawo do odwołania warsztatów z przyczyn od niego niezależnych w późniejszym terminie. Zwracamy wtedy wszystkie opłaty na konta uczestników.
- Organizator zapewnia wodę, kawę i herbatę podczas warsztatów. Organizator nie zapewnia noclegów oraz posiłków uczestnikom warsztatów.
- Warsztat będzie prowadzony w języku polskim.
- Ostateczna interpretacja regulaminu należy do organizatora.

Teatr CHOREA serdecznie zaprasza na konferencję prasową poświęconą Festiwalowi Teatralnemu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu!

Konferencja odbędzie się w poniedziałek, 11 września 2017, o godzinie 11:00, w szklanym hallu Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, na ul. Tymienieckiego 3.

Tegoroczna edycja Festiwalu Teatralnego Perspektywy 2017, organizowana przez Teatr CHOREA, poświęcona jest awangardzie w teatrze i bezpośrednio odwołuje się do obchodów 100-lecia awangardy w Polsce. Tym razem nasz Festiwal realizowany jest od wiosny do jesieni. Między kwietniem a listopadem 2017 zapraszamy do Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi na pięć weekendowych cykli. Podczas każdego z nich zaprezentujemy spektakle, koncerty, sesje warsztatów prowadzonych przez zaproszonych artystów oraz spotkania i dyskusje z twórcami i teatrologami. Festiwal Perspektywy 2017 to dwie premiery, a pozostałe spektakle będą pokazywane w Łodzi po raz pierwszy.

Wszystkie informacje dotyczące Festiwalu PRS 2017
znajdą Państwo:

- na stronie internetowej Teatru CHOREA:
http://www.chorea.com.pl/

- na oficjalnym profilu Festiwalu na Facebooku:
https://www.facebook.com/perspektywy2017/

Zapraszamy i do zobaczenia!

Zapraszamy na spektakl muzyczno-multimedialny "Miłosz w żywych obrazach", który odbędzie się w ramach projektu "Przestrzeń Kultury", finasowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach programu Kultura Dostępna.

data: 8 września 2017 (piątek)
godzina: 12:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, budynek C, ul. Tymienieckiego 3
wstęp: bezpłatny
rezerwacja miejsc: teatrchorea@gmail.com

W mailu prosimy podać tytuł spektaklu, imię i nazwisko na które ma być dokonana rezerwacja oraz ilość rezerwowanych miejsc.
System rezerwacji wejściówek zamykamy po wyczerpaniu limitu miejsc lub o godz 18:00 w dniu poprzedzającym wydarzenie.

Po spektaklu odbędzie się spotkanie z Pawłem Odorowiczem - twórcą spektaklu.

Spektakl „Miłosz w żywych obrazach” to zaskakująca hybryda słów, obrazów i muzyki. To wielopłaszczyznowa interakcja, której efektem jest udźwiękowienie i zobrazowanie człowieka jako jednostki. Miłosz zrzucający z siebie ciężar narzuconego spiżu uwalnia się poprzez własne słowa.

Wizja. Otwarcie. Wybór. Czas. To słowa - klucze onirycznej konstrukcji z pogranicza koncertu i spektaklu. Konstrukcji, w której Miłosz jest po prostu narratorem, człowiekiem bliskim, ciepłym, żywym. Jego słowa wyświetlane na ekranie, splatają się z wielowymiarowymi, pełnymi symboliki i surrealizmu wizualizacjami Roberta Motyki. Wszystko spaja w całość muzyka Pawła Odorowicza - pomysłodawcy projektu - bazująca na klasycznym instrumentarium (altówka, kwartet smyczkowy i komputer), lecz potraktowana jak kolejna warstwa tkanki. Sam Odorowicz - czy raczej jego kontur - jest tutaj jedynym „żywym elementem scenicznym” zamkniętym wewnątrz poetyckich wizji słów, tworząc spójną, choć nieprzewidywalną całość.

„Miłosz w Żywych Obrazach to koncert i spektakl łączący sztukę, muzykę i poezję w jedną, hipnotyzującą całość. Przepiękne, trójwymiarowe wizualizacje i uwodząca smyczkowa muzyka, osnute wokół wierszy polskiego Noblisty Czesława Miłosza, składają się na ciekawe, niepowtarzalne przedsięwzięcie. (...) To nie jest przedstawienie o Miłoszu. Nie jest to nawet przedstawienie o jego poezji. Spektakl jest tworem muzyczno-wizualnym, inspirowanym poezją Miłosza i jego życiem.” (Kasia Kokowska).

Premiera spektaklu odbyła się 1.10.2011 w Wiedniu, (w Theater Brett, w wersji niemieckiej, według autorskiego tłumaczenia poezji Miłosza). Spektakl pokazywany był również w Krakowie (w legendarnej Piwnicy pod Baranami, w wersji polskiej), w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie, w Edynburgu (m.in. na Festiwalu Fringe, w wersji polskiej i angielskiej, z wykorzystaniem tłumaczeń samego Miłosza).

Poezja: Czesław Miłosz
Wizualizacje: Robert Motyka
Muzyka, altówka, wybór tekstów: Paweł Odorowicz

Warstwa muzyczna projektu została objęta programem stypendialnym Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego. 

Paweł Odorowicz - absolwent Akademii Muzycznej w Krakowie, w klasie altówki dr hab. Jacka Dumanowskiego. W latach 2011-2014 wykładowca w Katedrze Muzyki Współczesnej, Jazzu i Perkusji tejże Uczelni. Pierwszy (podobno) polski "elektryczny" altowiolista. Ma na swoim koncie ponad 30 płyt CD i DVD, na których pojawia się jako muzyk, producent, aranżer, realizator. Wielopłaszczyznowy, wielokierunkowy wykonawca i twórca - od muzyki poważnej, poprzez piosenkę i jej pochodne, aż po muzykę ilustracyjną. Od 2013 roku współpracuje z Teatrem CHOREA jako wykonawca muzyki w koncertach: "Gilgamesz", "Lulabajki", "Spojrzystość". Współpracuje z reżyserem Leszkiem Mądzikiem, komponując oraz na żywo wykonując muzykę do jego spektakli. Zwycięzca Grand Prix 20 Konkursu Muzyki Folkowej „Nowa Tradycja” 2017, organizowanego przez Polskie Radio.

Więcej informacji o projekcie "Przestrzeń Kultury: http://www.chorea.com.pl/pl/projekty/przestrzen-kultury/


Spektakl odbywa się w ramach programu "Kultura Dostępna" finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

We wrześniu zapraszamy do Fabryki Sztuki w Łodzi na Twórcze Warsztaty dla dzieci, młodzieży i dorosłych!

PRENATALUDIUM - rodzinne warsztaty muzyczne dla osób spodziewających się dziecka oraz rodziców i opiekunów z dziećmi w wieku 3 miesiące - 1,5 roku

data: 5 września (wtorek)
godzina: 11.00-12:30
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3) oraz przestrzeń wokół Fabryki Sztuki
prowadzenie: Paweł Odorowicz
wiek uczestników: dzieci 3 miesiące - 1,5 roku wraz z opiekunami oraz osoby spodziewające się dziecka
czas: 90 minut
wstęp: rodzice spodziewający się dziecka - 5 zł od osoby, rodzicie/opiekunowie z dziećmi - 5 zł za dziecko

Rodzice i opiekunowie biorą aktywny udział w warsztatach wraz z dziećmi. Maluchy trzymane są na rękach, lub kładzione są na podłodze (w przypadku dzieci raczkujących). Podczas warsztatów wspólnie śpiewane są piosenki dla dzieci. Śpiew jest łączony z elementami ruchu (klaskanie, tupanie, taniec z dzieckiem na rękach). Wykorzystywać będziemy proste instrumenty perkusyjne oraz przedmioty codziennego użytku (pudełka, pokrywki, łyżki, itp.).


KRAV MAGA - warsztaty ruchowe dla dzieci w wieku 5-9 lat

data: 11 i 25 września (poniedziałek)
godzina: 16:15-17:15
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Elina Toneva
wiek uczestników: dzieci 5-9 lat
czas: 60 minut
wstęp: 5 zł za dziecko

Trening dla dzieci oparty o formy zabawowe: bieganie, gry zadaniowe, tory przeszkód. Nauka bezpiecznych upadków, nauka unikania i rozpoznawania zachowań agresywnych oraz samoobrony.


MIASTO-UCHO - dwudniowe warsztaty dźwiękowe dla dzieci i młodzieży w wieku 8-16 lat

data: 16-17 września (sobota-niedziela)
godzina: 11:00-12.30
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3) oraz przestrzeń wokół Fabryki Sztuki
prowadzenie: Filip Appel
wiek uczestników: dzieci i młodzież 8-16 lat
czas: 2x90 minut
wstęp: 5 zł za dziecko, za dzień

Warsztaty mają pomóc w zrozumieniu jak ważny jest dźwięk w codziennym życiu. Jak usłyszeć to, czego na co dzień nie słyszymy? Pokazać, że w zwykłym „hałasie” potrafią kryć się dźwięki potrafiące zbudować nową jakość, nową rzeczywistość. Chcemy uwrażliwić uczestników warsztatów na otoczenie, nie tylko na poziomie wizualnym, ale również sonicznym, które na co dzień nie jest ani zauważane, ani doceniane.
W trakcie warsztatów uczestnicy odbędą kilka spacerów, podczas których będą rejestrować to co słyszą. W drugiej części zajęć będą mieli za zadanie przetwarzać zarejestrowane dźwięki i opowiadać za ich pomocą własne historie. W wyniku tych zabiegów powstaną mikrosłuchowiska. Całość zakończy wspólny odsłuch dźwiękowych mini utworów wraz z krótkim uzasadnieniem.


CUDA NA KIJU - warsztaty plastyczne dla dzieci w wieku 6-12 lat

data: 23 września (sobota)
godzina: 13.00-15:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Jola Królicka
wiek uczestników: dzieci 6-12 lat
czas: 120 minut
wstęp: 5 zł za dziecko

Zajęcia cykliczne, w których elementem łączącym jest drewniany kij, wykorzystany na różne sposoby, w nawiązaniu do zabawek tradycyjnych: koń na kiju, miotła czarownicy, wiszące dekoracje, wiatraki, kukły i marionetki. Materiały dodatkowe będą pochodzić z natury lub recyklingu: muszle, kamyki, glina, paciorki, patyki, plastikowe butelki, kartony po jajkach, itp.
Warsztaty mają na celu pobudzenie wyobraźni dzieci, zachęcenie ich do szukania inspiracji w przedmiotach codziennego użytku, rozwijanie sprawności manualnych oraz wrażliwości estetycznej.


SENSOPLASTUSIE - rodzinne warsztaty dla dzieci w wieku 1,5 roku - 5 lat wraz z opiekunami

data: 27 września (środa)
godzina: 11:00-12:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Magda Gaj-Nowicka / Bergamutka
wiek uczestników: dzieci 1,5 roku - 5 lat wraz z dorosłymi opiekunami
czas: 60 minut
wstęp: 5 zł za dziecko

Zajęcia plastyczno-sensoryczne zakładają wyzwolenie większej swobody twórczej, poprzez stworzenie przestrzeni wspierającej kreatywne pomysły. Istotą zajęć jest możliwość ekspresji na dużych formatach, z wykorzystaniem niestandardowych materiałów oraz technik „brudzących” uczestników i przestrzeń. Rozszerzamy myślenie na temat narzędzi. Pędzlem może być makaron spaghetti, pęk trawy, czy kwiat. Malować można balonami napełnionymi wodą, czy szklanymi kulkami, dopuszczając rolę przypadku i zapoznając się z malarstwem gestu. Zmieniamy wachlarz dotychczas znanych materiałów, z których powstają prace. Do tworzenia wykorzystujemy kolorowe bańki mydlane, czy zabarwione kostki lodu. Farbą może być kisiel, jogurt z barwnikiem spożywczym, czy kasza manna rozsypana na świetlnym stole. W przeciwieństwie do standardowych zajęć plastycznych, uczestnicy warsztatów nie poznają przed rozpoczęciem pracy efektu do jakiego mają dotrzeć. Celem jest proces twórczy, a nie nauka konkretnej techniki. Uczestnicy zajęć wykorzystują dostępne materiały i przestrzeń do realizacji własnych zamierzeń. Podczas warsztatów nie korygujemy „błędów”, np. nierównych linii, nierealnych kolorów, przypadkowych plam. W zajęciach najistotniejszy jest proces twórczy oraz szacunek do dziecięcego skupienia, potrzeb, zainteresowań i pomysłów. Równie ważny jest fakt pracy w grupie, który uczy dzieci uwzględnienia potrzeb i granic innych osób.


ESENCJA VINYASY - warsztaty Ashtanga Yogi dla osób praktykujących

data: 26-30 września (wtorek-sobota)
miejsce: sala warsztatowa w niskim budynku Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3 oraz przestrzeń wokół Fabryki Sztuki
uczestnicy: warsztaty przeznaczone dla osób praktykujących Ashtanga Yogę oraz osób początkujących (Vinyasa - wtorek i czwartek)
prowadzenie: Ewa Makowska
wstęp: 5 zł od osoby, za dzień

HARMONOGRAM WARSZTATÓW:

data: 26.09 / WTOREK
godzina: 18:00-19:00 Vinyasa

data: 27.09 / ŚRODA
godzina: 7:30-9:30 – Mysore
godzina: 18:00-19:30 - Pierwsza Seria Prowadzona

data: 28.09 / CZWARTEK
godzina: 7:30-9:30 – Mysore
godzina: 18:00-19:00 – Vinyasa

data: 29.09 / PIĄTEK
godzina: 7:30-9:30 Mysore
godzina: 18:00-19:30 - Pierwsza Seria Prowadzona

data: 30.09 / SOBOTA
godzina: 10:00-13:30 – Część Warsztatowa

Celem warsztatu, jest nauczenie się, jak poprawić jakość swojej praktyki i zwiększyć jej efektywność, poprzez włączenie do niej trzech elementów Vinyasy: oddechu, bandh i dristhi.

Vinyasa – to zajęcia dla osób początkujących oraz dłużej praktykujących Ashtanga Yogę.
Pierwsza Seria Prowadzona – to zajęcia dla osób praktykujących przynajmniej pół Pierwszej Serii Ashtanga Yogi.
Mysore – to zajęcia dla osób praktykujacych Ashtanga Yogę, a także dla tych, którzy potrzebują weryfikacji praktyki ze względu na kontuzje, dolegliwości czy choroby.
Część warsztatowa – będzie podsumowaniem i rozwinięciem całego tygodnia.

Ewa Makowska - Joga jest moją życiową pasją od 14 lat. Od 10 lat praktykuję Ashtanga Yogę i jestem jej dyplomowanym nauczycielem, po kursie prowadzonym przez Basię Lipską. Na różnych etapach swojej drogi spotkałam wielu nauczycieli. Uczyłam się od Nich poprzez uczestnictwo w zajęciach, warsztatach, wykładach oraz poprzez asystowanie. Obecnie rozwijam swoją praktykę pod okiem Saraswathi w Mysore w Shri K. Pattabhi Jois Ashtanga Yoga Institute w Indiach. Ukończyłam również kurs instruktora sportu.
Nauczaniem Jogi zajmuję się od 12 lat. Obecnie prowadzę grupy w Kobyłce oraz w Warszawie. Przez prawie 5 lat prowadziłam zajęcia i szkoliłam nauczycieli w Joga Klubie w Warszawie. Współtworzyłam Praską Szkołę Jogi. Od dawna organizuję kilkudniowe warsztaty wyjazdowe, zarówno dla osób początkujących, jak i zaawansowanych oraz dla nauczycieli.
Joga jest praktyką, która nauczyła mnie postrzegać człowieka jako całość i jednocześnie dała szansę uzdrowienia tam, gdzie akademickie i medyczne podejście zamknęło swoje drzwi. Sama przeszłam daleką drogę od bycia schorowaną, do poczucia zdrowia, a tej przemiany dokonałam za pomocą Jogi i oczywiście ciężkiej pracy. Dlatego Joga jest nie tylko ścieżką rozwoju, ale przede wszystkim narzędziem do uzdrawiania człowieka na wielu poziomach. Wielu aspektów, których nauczam – doświadczyłam na sobie. Przez te wszystkie lata, na moich zajęciach pojawiła się niezliczona ilość osób, których życie postawiło pod przysłowiową ścianą, zarówno w kwestii zdrowia, jak również w innych aspektach. Właśnie takim ludziom najchętniej pomagam, o ile są gotowi wykonać głęboką, rzeczywistą, wielokrotnie trudną pracę, bez względu na stan w jakim się znajdują. Mam doświadczenie w pracy z ludźmi przewlekle chorymi, po wypadkach, z najróżniejszymi kontuzjami, z problemami emocjonalnymi, z osłabionymi fizycznie i psychicznie, w aspekcie rehabilitacyjno-sprawnościowym, z osobami w podeszłym wieku, z kobietami w ciąży oraz ze sportowcami, dla których jest to uzupełnienie treningu właściwego, naprawianie ciała po urazach oraz łagodzenie negatywnych skutków danej dyscypliny sportowej. Jednym zdaniem, to czym się zajmuję, to terapia przez jogę.
Uczę Ashtangi również osoby zdrowe, które chcą rozwijać swoją praktykę za świadomością i zrozumieniem oraz pragną nabyć umiejętność samodzielnej praktyki i autokorekty.

Więcej informacji: http://ashtangavinyasayoga.pl/ 


TEATR FORUM JAKO METODA PRACY – dwudniowe warsztaty teatralne dla dorosłych: edukatorów, animatorów i pedagogów

data: 30 września - 1 października (sobota-niedziela)
godzina: 16:00-18.30
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3) oraz przestrzeń wokół Fabryki Sztuki
prowadzenie: Iga Załęczna
wiek uczestników: osoby dorosłe, edukatorzy, animatorzy i pedagodzy
czas: 2x150 minut
wstęp: 5 zł od osoby, za dzień

Celem warsztatów jest propagowanie i umożliwienie poznania metody pracy techniką Teatru Forum. Warsztaty skierowane są do osób pracujących między innymi: w świetlicach środowiskowych, ośrodkach socjoterapii, domach pomocy społecznej, domach dziecka. W miejscach, których podopieczni są szczególnie narażeni na społeczne wykluczenie.
Teatr Forum to metoda pracy z pogranicza teatru i edukacji, stworzona przez Augusto Boala. To interaktywna forma tworzenia spektakli, w której uczestnicy mają możliwość wpływu na przebieg scenicznej akcji, poprzez ingerencję w strukturę przedstawienia. Problemy postaci scenicznych zwykle tożsame są z problemami „widzów aktorów”, dzięki czemu uczestnicy konfrontują się z własnymi trudnościami i w bezpiecznej formie mogą wypróbować możliwe sposoby ich rozwiązania. Doświadczenie to - wykorzystując metody aktywnego uczestnictwa - uczy komunikowania złości, stawiania granic, mówienia o potrzebach. TF jest przestrzenią w której wielość proponowanych rozwiązań, umożliwia dostrzeżenie i analizę różnych punktów widzenia, budując tym samym umiejętność poszukiwania rozwiązań trudnych sytuacji i twórczego podejścia do problemów społecznych. Wybrana metoda pracy jest immanentną częścią koncepcji projektu i wykorzystuje techniki teatralne (improwizacja).

WAŻNE INFORMACJE:

Opłata za udział w warsztatach wynosi 5 zł od uczestnika.
W przypadku warsztatów rodzinnych opłata tylko za dzieci. Opiekunowie nie płacą.
Dorośli, którzy chcą wziąć udział w warsztach rodzinnych indywidualnie, dokonują opłaty 5 zł za osobę.
Płatność za udział w warsztatach przyjmujemy wyłącznie gotówką, przed rozpoczęciem wydarzenia.

Zapisy na warsztaty prowadzi Teatr CHOREA
- mailowo: warsztaty@fabrykasztuki.org
- telefonicznie: 42 646 88 65 w.30
W mailu prosimy podać tytuł warsztatu, datę warsztatu i dane uczestników (imię i nazwisko, ilość i wiek dzieci i ilość opiekunów).
System rezerwacji miejsc zamykamy o godz 18:00, w dniu poprzedzającym wydarzenie.

Fabryka Sztuki nie ponosi odpowiedzialności za treści ogłoszeń umieszczanych na portalach społecznościowych poza wiedzą organizatora.

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Zapraszamy do udziału w 1. edycji Festiwalu Książki Obrazkowej dla Dzieci „KROPKA + KRESKA”!

Książka obrazkowa stanowi obszar pierwszych kontaktów dziecka ze sztuką. Jest narzędziem wprowadzającym w świat pojęć i emocji. Prezentując i porządkując otaczający świat, rozwija w dziecku wyobraźnię, kształtuje gusta estetyczne i uwrażliwia na sztukę. W Polsce książka obrazkowa to prężnie rozwijający się gatunek twórczości. W ostatnich latach obserwowany jest jego prawdziwy rozkwit. Pojawili się młodzi, wybitni ilustratorzy, powstały nowe wydawnictwa publikujące ambitne i oryginalne książki dla dzieci. Polscy twórcy zaczynają wydawać swoje książki zagranicą i zdobywają międzynarodowe nagrody, w tym te najważniejsze – książkowe Oskary – Bologna Ragazzi Award.

Podczas Festiwalu Książki Obrazkowej dla Dzieci „KROPKA + KRESKA” zaprezentujemy książki, które zostały opracowane z wielką dbałością. W interaktywny, przystępny sposób pokażemy prace wyjątkowych ilustratorów: Iwony Chmielewskiej, Joanny Concejo, Małgorzaty Gurowskiej, Katarzyny Boguckiej, Marty Ignerskiej, Aleksandry Cieślak, Agaty Królak, Aleksandry Woldańskiej-Płocińskiej, Magdy Jurek, Marii Dek oraz Macieja Blaźniaka. Pokazując książki piękne, mądre i zabawne, chcemy zainspirować do sięgania po wartościową, ambitną i ciekawą literaturę. Zaprosimy do wspólnej zabawy w świecie książki obrazkowej dla dzieci.

Pola Amber
Dyrektor Artystyczny Festiwalu Książki Obrazkowej dla Dzieci „KROPKA + KRESKA”

PROGRAM FESTIWALU

1 września (piątek)

17:00 – huczne otwarcie festiwalu z toastem wzniesionym prawdziwą, domową lemoniadą (przepis znajdziecie na wystawie!) i wernisaż wystawy. Przyjdźcie koniecznie! Będą niespodzianki dla dużych i małych uczestników wydarzenia!
18:00 – „Bajkowanie piątkowe" – seans z bajkami i muzyką na żywo. Uwaga wielbiciele „Prosiaczka” Oli Woldańskiej-Płocińskiej – czeka Was nie lada gratka! Prowadzenie: Kalina i Patryk Zakroccy, czyli twórczy duet córeczki i taty.

2 września (sobota)

11:00 – „Lokomotywa/ideolo” – warsztaty plastyczno-ideologiczne dla dzieci powyżej 9 roku życia. Prowadzenie: Małgorzata Gurowska i Joanna Ruszta.
16:00 – „Bajkowanie sobotnie" – seans z bajkami i muzyką na żywo. Uwaga, jeśli obawiacie się powtórki ze spotkania piątkowego – nic bardziej mylnego! Seans oparty jest na innych bajkach niż spotkanie piątkowe. Czekają na Was nowe historie ze świata fantazji i bajki oraz nowa muzyka. Prowadzenie: Kalina i Patryk Zakroccy, czyli twórczy duet córeczki i taty.

3 września (niedziela)

11:00 – niedzielny poranek z Małym Teatrem Ilustracji. „Ptasie Historie” – spektakl i warsztaty dla dzieci w wieku 3–6 lat.

4 września, (poniedziałek)

11:00 – poniedziałkowy poranek dla przedszkolaków z Małym Teatrem Ilustracji „Ptasie Historie” – spektakl i warsztaty dla dzieci w wieku 3–6 lat.
17:00 – poniedziałkowe popołudnie dla starszaków z Małym Teatrem Ilustracji. „Historia Kamishibai” i „Bajka o Utopcu" – spektakle i warsztaty dla dzieci w wieku 7–10 lat.

6 września (środa)

18:00 – bardzo ciekawy wykład pt. „Książka obrazkowa: o czym i dla kogo” dla rodziców, dziadków i nauczycieli, czyli dla wszystkich zainteresowanych tematem dorosłych. Prowadzenie: Magdalena Sikorska

7 września (czwartek)

18:00 – „O symbolach, kobiecości, ciemnym lesie i nowych książkach” – spotkanie z Damami Polskiej Ilustracji Książkowej: Iwoną Chmielewską i Joanną Concejo. Prowadzenie: Anna Mrozińska-Szmajda

8 września (piątek)

17:00 – międzypokoleniowe warsztaty pt. „Jakimi literami powiesz komuś coś miłego?”. Uwaga dzieciaki – bierzcie na warsztaty babcie, dziadków i rodziców! Prowadzenie: Aleksandra Cieślak

9 września (sobota)

11.00 – warsztaty „Disco, disco z Koalą Rufusem i Olą Cieślak” dla małych imprezowiczów powyżej 2 roku życia.

10 września (niedziela)

16:00 – „Widzieć więcej. O możliwościach książki obrazowej i szansie na nową edukację”. Uwaga, będzie bardzo ciekawie, a warsztat potrwa aż cztery godziny! Prowadzenie: Anna Mrozińska-Szmajda

12 września (wtorek)

17:00 – na festiwalu pojawi się… Skrzat Makówka z „poczytanką” pt. „Nie taki wilk straszny, jak go malują”. Ta „poczytanka” najbardziej zainteresuje dzieci w wieku 4–6 lat.

13 września (środa)

17:00 – „Duże »ja«”. Prowadzenie: Maria Dek. Zapraszamy dzieciaki w wieku 4–7 lat.

14 września (czwartek)

18:00 – Pani Zorro zaprasza na pierwszą lekcję czytania, czyli wykład dla dorosłych pt. „Książki obrazkowe – obrazki dla dzieci?”. Prowadzenie: Monika Obuchow

15 września (piątek)

17:00 – twórcze spotkanie dla przyszłych wydawców „Jak zrobić książkę?”. Prowadzenie: Joanna Guszta. Spotkanie dla dzieci w wieku 4–7 lat.

16 września (sobota)

18:00 – Awangardowa dobranocka, czyli „Performatywne czytanie bajek Kołakowskiego z pokazem ilustracji Pawła Pawlaka i muzyką/dźwiękami na żywo”. Prowadzenie: Dorota Porowska i Sebastian Mac

17 września (niedziela)

Skromne zakończenie festiwalu, czyli ostatni moment, aby zwiedzić wystawę.

OPISY WYDARZEŃ

WARSZTATY:

„Disco, disco z Koalą Rufusem” / Aleksandra Cieślak

Misiowe maski, kolorowe czapeczki, malowane pyszczki – pod okiem autorki książki „Koala disco” dzieci przygotują się na imprezę u koali! A potem… tańce, hulanki, swawole, gry i zabawy w rytmie disco.

„Duże »ja«” / Maria Dek

Wyruszamy w wizualną podróż, w czasie której każdy stworzy autoportret z przyszłości. Kto będzie nosił czapkę alpinisty, a kto elegancki kapelusz? Czy ktoś z nas zapuści wąsy? Na jaki kolor ufarbuję włosy? Czy będę nosić okulary do czytania? W czasie warsztatów wykleimy i namalujemy nasze plany, pomysły i marzenia na wielkoformatowych autoportretach.

„Jakimi literami powiesz komuś coś miłego?"/ Aleksandra Cieślak

Warsztaty inspirowane „Książką do zrobienia” (która zdobyła wyróżnienie w ramach Bologna Ragazzi Award for Art Books w 2017 roku) opierać się będą na pracy w technice kolażu oraz typograficznych eksperymentach z wykorzystaniem niekonwencjonalnych narzędzi twórczych. Razem z autorką będziemy poruszać się kursywą, komunikować za pomocą linii i plam, przeprowadzimy kilka typograficznych eksperymentów i stworzymy galerię komplementów!

„Jak zrobić książkę?” / Joanna Guszta

Mali uczestnicy będą mieli okazję dowiedzieć się, jakie decyzje podejmuje wydawnictwo i projektant podczas pracy nad książką. Zapoznają się z takimi pojęciami jak format, wyklejka, obwoluta. Zostaną im zaprezentowane różne techniki ilustracji oraz przedstawione pomysłowo wykonane książki ilustrowane. Co najważniejsze, spotkanie to zainspiruje uczestników do wymyślenia okładek własnych książek.

„Lokomotywa/ideolo” / Małgorzata Gurowska, Joanna Ruszta

Warsztaty będą polegały na stworzeniu kontynuacji książki „Lokomotywa/ideolo”. Inspiracją do pracy będą poruszone w książce tematy dotyczące aktualnych kwestii społecznych i ekologicznych. Dzieci dostaną arkusze z wydrukowanymi wagonami podobnymi do tych, które znają z książki, ale… pustymi. Zadaniem uczestników będzie ich wypełnienie, stworzenie projektów kolejnych rozkładówek książki.

WYKŁADY:

Cykl trzech wykładów skierowany do rodziców, wielbicieli książek obrazkowych, ludzi zainteresowanych kulturą wizualną, nauczycieli, promotorów kultury dziecięcej, edukatorów, bibliotekarzy, któremu przyświeca idea wprowadzenia w temat możliwości współczesnej książki obrazkowej. Oprócz wykładów przewidziano pracę warsztatową oraz przestrzeń dialogu, wymiany doświadczeń i pomysłów na to, czym książka obrazkowa może stać się w edukacji oraz jaką wartość ma narracja wizualna. Wspólnie zastanowimy się także nad tym, co współczesna książka dla dzieci może oferować dorosłemu.

„Książka obrazkowa: o czym i dla kogo” / Magdalena Sikorska

Pozorna prostota wielu książek obrazkowych, nastawienie części dorosłych odbiorców na infantylne treści i, co za tym idzie, niedoszukiwanie się treści głębszych, wynikają często z koncepcji dziecka, jaką mają dorośli. Poruszymy temat szczerości w sztuce dla dzieci, w tym w książce obrazkowej.

„Książki obrazkowe – obrazki dla dzieci?” / Monika Obuchow

Książki obrazkowe, czyli picturebooki są czymś więcej niż tekstem okraszonym ilustracjami. Nie zawsze jednak wiadomo, jak patrzeć, by w nich to dostrzec. Zapraszamy na pierwszą lekcję czytania.

„Widzieć więcej. O możliwościach książki obrazowej i szansie na nową edukację” / Anna Mrozińska-Szmajda

Czy książka obrazkowa – najbardziej dostępny, wielowymiarowy tekst kultury – może być nową lekturą szkolną? Co zyskuje szkoła i inne formy edukacji otwarte na wartość współczesnej książki, którą można mierzyć nie tylko w słowach i nie tylko w obrazie? Jak wykorzystywać picturebook
w wychowaniu aktywnego uczestnika kultury: zadającego pytania i myślącego krytycznie, samodzielnego i otwartego na sztukę człowieka?!

 
POZOSTAŁE WYDARZENIA:

„Bajkowanie piątkowe” i „Bajkowanie sobotnie” / Kalina i Patryk Zakroccy

Seans z bajkami kliszowymi i muzyką na żywo. Córeczka i tata, imitując głosy postaci i tworząc na żywo ścieżkę dźwiękową, zilustrują, a może opowiedzą na nowo stare historie zapisane na kliszy filmowej. Bajki są zrealizowane w formie serii slajdów, a postacie i światy przedstawiane w rozmaitych technikach rysunku i technice lalkowej dotyczą wybranych książek dla dzieci. Niekiedy przygody pingwinków albo świnek domagają się nowej, przewrotnej interpretacji, a niektóre należy pozostawić w ich oryginalnej aurze, niespotykanej dziś łagodności i dobroci. W każdym z dwóch dni usłyszymy inne bajki.

„Mały teatr ilustracji. Spektakle połączone z warsztatami” / Anna Gabriela Trzpil, Henryk Zagórski

Korzystając ze starej japońskiej techniki, zwanej kamishibai, Mały Teatr Ilustracji tworzy historie obrazkowe, które później zmieniają w nietypowe spektakle dla dzieci. „Wspólnie wybieramy
i ilustrujemy najciekawsze dzieła literackie, aby za pomocą kamishibai snuć barwne opowieści. Wymyślamy też własne historie! W kamishibai zafascynowały nas możliwości, jakie niesie ze sobą ten rodzaj kontaktu z widzem. Szczególnie ważny jest dla nas język ilustracji, którym posługujemy się
w trakcie przedstawienia. Tekst i obraz są tutaj zgraną i dynamiczną jednością. Zdarza się nawet, że tekst stanowi tło dla rozbudzających wyobraźnię ilustracji” – mówią o sobie twórcy i zapraszają na spotkanie ze sztuką. 

„Nie taki wilk straszny, jak go malują”/ Skrzat Makówka (Piotr Makuch)

Przeczytamy i porozmawiamy o komplementach, byciu zarozumiałym i szukaniu przyjaźni. A przy okazji pouczymy się geografii i zgłębimy wiedzę o świecie zwierząt. Skrzat Makówka prowadzi razem ze Skrzatem Zielonką księgarnię dla dzieci „Psotki i Śmieszki". Uwielbia czytać. Jego ulubione książki to seria o Muminkach i przygodach Pippi Pończoszanki, a ostatnio również kryminały dla dzieci Jo Nesbø. Warto posłuchać, co przygotuje na Festiwal.

„Performatywne czytanie bajek Kołakowskiego z pokazem ilustracji Pawła Pawlaka
i muzyką/dźwiękami na żywo” / Dorota Porowska, Sebastian Mac

Na dobranoc przeczytamy wybrane przedziwne, zaskakujące i napisane z wyjątkowym poczuciem humoru bajki dla dużych i małych odbiorców. Dopełnieniem będą piękne ilustracje autorstwa znakomitego grafika Pawła Pawlaka i muzyka tworzona na żywo.

INFORMACJE PRAKTYCZNE:

KIEDY: 01–17 września 2017
GDZIE: Fabryka Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3, 90-365 Łódź

KONTAKT:
Tel: 42 646 88 65
Info: www.fabrykasztuki.org, 
Fanpage: https://www.facebook.com/Festiwal-Książki-Obrazkowej-dla-Dzieci-Kropka-Kreska-132113757396350/
E-mail: info@fabrykasztuki.org

Wystawa czynna codziennie w godzinach: 11:00–18:00. Podczas wystawy będzie czynne także stoisko księgarni Małe Książki (maleksiazki.pl). 

Na wszystkie wydarzenia wstęp jest bezpłatny; na warsztaty obowiązują zapisy.

Informacja i rezerwacja miejsc: warsztaty@fabrykasztuki.org lub telefonicznie: 42 646 88 65 w. 30

Organizator: Fabryka Sztuki w Łodzi

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz ze środków Fundacji PZU.

Zapraszamy do zapoznania się z podsumowaniem sezonu teatralnego 2016/2017 w Teatrze CHOREA. Ile premier stworzyliśmy? Ile spektakli i koncertów zagraliśmy? Dokąd podróżowaliśmy? Wszystkiego dowiecie się zerkając poniżej.

Premiery od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017:

Premiera spektaklu "Studium o Hamletach" Teatru CHOREA i Akademii Teatralnej im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie
data premiery: 1 kwietnia 2017, godz. 21:00 / 2 kwietnia 2017, godz. 18:00
miejsce premiery: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi (budynek C), ul. Tymienieckiego 3
w ramach: obchodów Międzynarodowego Dnia Teatru - Festiwalu „Dotknij Teatru 2017”

Twórcy: Teatr CHOREA, Akademia Teatralna im. A.Zelwerowicza w Warszawie
Na podstawie: „Hamleta” Williama Szekspira, „Studium o Hamlecie” Jerzego Grotowskiego, „Studium o Hamlecie” Stanisława Wyspiańskiego
Reżyseria: Waldemar Raźniak, Tomasz Rodowicz
Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Choreografia: Janusz Adam Biedrzycki
Scenografia: Tomasz Rodowicz
Światło: Tomasz Krukowski
Dźwięk: Marcin Dobijański
Obsada: Martyna Byczkowska (Akademia Teatralna), Joanna Chmielecka (Teatr CHOREA), Anna Lemieszek (Akademia Teatralna), Elina Toneva (Teatr CHOREA), Janusz Adam Biedrzycki (Teatr CHOREA), Mateusz Burdach (Akademia Teatralna), Piotr Janusz (Akademia Teatralna), Michał Jóźwik, Aleksander Kaźmierczak (Akademia Teatralna), Jakub Kordas (Akademia Teatralna), Vova Makovskyi (Akademia Teatralna)
Liczba zagranych spektakli: 5 

Premiera koncertu "Spojrzystość" Chóru Teatru CHOREA
data premiery: 30 lipca 2017, godzina: 19:00
miejsce premiery: kościół pod wezwaniem Nawiedzenia Najświętszej Maryi Panny, Wieruszów
w ramach: 18 edycji Wędrownego Festiwalu Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski"

Muzyka: Tomasz Krzyżanowski (oraz Paweł Odorowicz: utowry „Słoneczna opowieść”, „Z falą niebo”)
Wykonanie: Chór Teatru CHOREA w składzie: Elizabet Araj, Joanna Chmielecka, Barbara Cieślewicz, Joanna Filarska, Sandra Gierzek, Nina Gralec, Barbara Guzek, Katarzyna Haniszewska, Michalina Jędrzejczak, Majka Justyna, Agnieszka Krzemińska, Joanna Krzemińska, Anna Przybyt, Marta Rakowska, Anna Redlin, Aleksandra Rutowicz, Marta Sterna, Aleksandra Szałek, Paulina Tralewska, Alicja Tranda, Maciej Bednarek, Jacek Czapnik, Marcin Kobyliński, Jacek Witych
Paweł Odorowicz - altówka, instrumenty elektroniczne
Maciej Staniecki - gitary, instrumenty elektroniczne
Tomasz Krzyżanowski - instrumenty perkusyjne, prowadzenie chóru
Utwór przygotowany został na zamówienie 18. Wędrownego Festiwalu Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski".
Liczba zagranych koncertów: 1 

Pierwszy pokaz pracy spektaklu "Ciemność"
data: 26 listopada 2016
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
w ramach projektu „Teren Otwarty”, programu "Kultura Dostępna" finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Reżyseria: Janusz Adam Biedrzycki, Magdalena Paszkiewicz
Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Przygotowanie muzyczne: Joanna Filarska
Światło: Tomasz Krukowski
Dźwięk: Marcin Dobijański
Wizualizacje: Paweł Klepacz
Obsada: Anna Miotk, Wiktoria Wiejak, Jolanta Jabłońska, Agnieszka Turchońska, Ewa Hrywienicka, Agata Mazurkiewicz, Anna Piekarniak, Klaudia Ambroszczyk, Ewa Otomańska, Aleksandra Ziomek, Grzegorz Nasalski, Wiktor Moszczyński, Tomasz Hołubowicz, Damian Kukiałka, Przemek Bitner, Jakub Durka
Autorzy tekstów: Anna Lyndsey, Stanisław Grochowiak, Adam Mickiewicz, Tomasz Hołubowicz, Ewa Otomańska, Dominika Krzyżanowska Gorzkiewicz, Janusz Adam Biedrzycki.
Współpraca: Specjalny Ośrodek Szkolno Wychowawczy nr 6 im. mjr. Hieronima Baranowskiego oraz Ośrodek Szkolno-Wychowawczy im. Róży Czackiej w Laskach
Liczba zagranych spektakli: 1 

Drugi pokaz pracy spektaklu "Ciemność"
data: 3 lipca 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
Projekt realizowany ze środków Urzędu Miasta Łodzi w ramach Stypendium Artystycznego Janusza Adama Biedrzyckiego oraz projekt dofinansowany ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Reżyseria i choreografia: Janusz Adam Biedrzycki, Magdalena Paszkiewicz
Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Przygotowanie muzyczne: Joanna Filarska
Reżyseria światła: Tomasz Krukowski
Realizacja dźwięku: Marcin Dobijański
Multimedia interaktywne: Aleksander Dynarek
Wizualizacje: Paweł Klepacz
Obsada: Joanna Chmielecka, Barbara Cieślewicz, Ewa Otomańska, Anna Piekarniak, Aleksandra Szałek, Aleksandra Ziomek, Przemysław Bitner, Tomasz Hołubowicz, Grzegorz Nasalski
Liczba zagranych spektakli: 1
 

W repertuarze od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017:

SPEKTAKLE:

Spektakl „Bachantki”
Premiera: 26 marca 2012, Festiwal Dotknij Teatru, Teatr Szwalnia, Łódź
Liczba spektakli: 3 

Spektakl "Ciemność"
Pokazy pracy: 26 listopada 2016, 3 lipca 2017
Premiera: 27, 28 listopada 2017, Festiwal Perspektywy 2017, scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
Liczba pokazów pracy: 2 

Spektakl „DERBY .Białoczerwoni”
Premiera: 18 i 19 czerwca 2015, w ramach projektu PODWÓRKA, na zlecenie Festiwalu Łódź Czterech Kultur
Liczba spektakli: 0 

Spektakl „Error 404” grupy Take Over
Premiera: 26 sierpnia 2016, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi, Międzynarodowy Festiwal Teatralny Retroperspektywy 2016
Liczba spektakli: 3 

Spektakl „Gry [w] Pana Cogito”
Premiera: 8 listopada 2008, Fabryka Sztuki w Łodzi
Liczba spektakli: 0 

Spektakl „MUZG”
Premiera: 22 listopada 2013, Teatr Szwalnia, Łódź
Liczba spektakli: 2 

Spektakl „Po Ptakach”
Premiera: 09-14 grudnia 2005, Teatr Współczesny, Wrocław; Teatr Nowy Praga, Warszawa
Liczba spektakli: 0 

Sektakl "Studium o Hamletach"
Premiera: 1-2 kwietnia 2017, scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, Festiwal Dotknij Teatru 2017
Liczba spektakli: 5 

Spektakl „Szczelina”
Premiera: 30 marca - 1 kwietnia 2016, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi, Festiwal Dotknij Teatru
Liczba spektakli: 4 

Spektakl „VIDOMI”
Premiera: 28.11.2014, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi
Liczba spektakli: 2
 

KONCERTY:

Koncert ”Engi Vengi”
Premiera: 24 sierpnia 2014, Międzynarodowy Festiwal Teatralny Retroperspektywy 2014, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi
Liczba koncertów: 0 

Koncert „Gilgamesz”
Premiera: 14 kwietnia 2013, Filharmonia Łódzka
Liczba koncertów: 0 

„Koncert Pieśni Antycznych”
Premiera: 30 lipca 2011, Wędrowny Festiwal Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski", Arkadia, Nieborów
Liczba koncertów: 1 

Koncert „Lulabajki”
Premiera: 9 grudnia 2013, Teatr Muzyczny w Łodzi
Liczba koncertów: 0 

Koncert ”Pieśni Świata”
Premiera: 22 sierpnia 2012, Festiwal Retroperspektywy, Klub Wytwórnia, Łódź
Liczba koncertów: 0 

Koncert „Rytm Języka”
Premiera: 21 sierpnia 2014, Międzynarodowy Festiwal Teatralny Retroperspektywy 2014, Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi
Liczba koncertów: 1 

Koncert "Spojrzystość"
Premiera: 30 lipca 2017, kościół Nawiedzenia Najświętszej Maryi Panny, Wieruszów, 18 Wędrowny Festiwal Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski"
Liczba koncertów: 1 

Koncert „Wiatr z Południa”
Premiera: 12 października 2013, Festiwal "Drewniane Ucho", Teatr Pinokio, Łódź
Liczba koncertów: 0

Liczba spektakli i koncertów zagranych w siedzibie od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017: 13 

Spektakl "Bachantki"
data: 23 września 2016, godzina: 12.00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
W ramach projektu „Teren Otwarty”, programu "Kultura Dostępna" finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego. 

Spektakl "Bachantki"
data: 23 września 2016, godzina: 19:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi 

Spektakl "Muzg"
data: 2 października 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi 

Spektakl "Muzg"
data: 3 października 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
W ramach projektu „Teren Otwarty”, programu "Kultura Dostępna" finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego. 

Spektakl „Error 404” grupy Take Over
data: 6 października 2016
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
Projekt współfinansowany ze środków Urzędu Miasta Łodzi. 

Spektakl "Szczelina"
data: 8 listopada 2016
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi 

Spektakl „Error 404” grupy Take Over
data: 13 listopada 2016
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi 

Pierwszy pokaz pracy spektaklu "Ciemność"
data: 26 listopada 2016
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
W ramach projektu „Teren Otwarty”, programu "Kultura Dostępna" finansowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego. 

Premiera spektaklu "Studium o Hamletach"
data: 1, 2 kwietnia, 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, w ramach Festiwalu Dotknij Teatru 

Spektakl „Error 404” grupy Take Over
data: 5 maja 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi 

Spektakl "Studium o Hamletach"
data: 20 czerwca 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi w ramach Festiwalu Dotknij Teatru na BIS 

Drugi pokaz pracy spektaklu "Ciemność"
data: 3 lipca 2017
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
Projekt realizowany ze środków Urzędu Miasta Łodzi w ramach Stypendium Artystycznego Janusza Adama Biedrzyckiego oraz projekt dofinansowany ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
 

Liczba spektakli i koncertów zagranych poza siedzibą od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017: 11 

Spektakl "Vidomi"
data: 23 października 2016, godzina: 19:00
data: 24 października 2016, godzina: 17:00
miejsce: Dworzec Świebodzki, Wrocław
W ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego „Olimpiada Teatralna” we Wrocławiu 

Spektakl "Szczelina"
data: 10 listopada 2016, godzina: 19:00
data: 11 listopada 2016 (piątek), godzina: 17:00
miejsce: Wrocławski Teatr Współczesny, Scena na Strychu
W ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego „Olimpiada Teatralna” we Wrocławiu 

"Koncert Pieśni Antycznych"
data: 5 marca 2017, godzina: 19:00
miejsce: scena Gadzickiego, Teatr im. Heleny Modrzejewskiej w Legnicy
W ramach projektu "MODRZEJEWSKA DOM OTWARTY" 

Spektakl "Bachantki"
data: 5 marca 2017, godzina: 20:30
miejsce: scena Gadzickiego, Teatr im. Heleny Modrzejewskiej w Legnicy
W ramach projektu "MODRZEJEWSKA DOM OTWARTY" 

Spektakl "Studium o Hamletach"
data: 10 maja 2017
miejsce: Teatr Collegium Nobilium, Scena Główna, Warszawa 

Koncert "Rytm Języka"
data: 14 czerwca 2017 (środa)
miejsce: Muzeum Książki Artystycznej, Willa Grohmana, Łódź
W ramach cyklu "Koncerty w Willi Grohmana", w Muzeum Książki Artystycznej w Łodzi 

Spektakl "Studium o Hamletach"
data: 6 lipca 2017
miejsce: Teatr Collegium Nobilium, Scena Główna, Warszawa
Na zakończenie Międzynarodowego Festiwalu Szkół Teatralnych - ITSelF Festiwal 

Spektakl "Szczelina”
data: 8 lipca 2017
miejsce: Expedition Metropolis e.V.,Desihalle, Berlin
W ramach festiwalu HofFestSpiele - Community Kunst Festival w Berlinie
Projekt dofinansowano ze środków Urzędu Miasta Łodzi. 

Premiera koncertu "Spojrzystość"
data: 30 lipca 2017
miejsce: kościół Nawiedzenia Najświętszej Maryi Panny, Wieruszów,
W ramach: 18 Wędrowny Festiwal Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski"
 

Wyjazdy od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017:

Krajowe:

Spektakl "Vidomi"
data: 23 października 2016, godzina: 19:00
data: 24 października 2016, godzina: 17:00
miejsce: Dworzec Świebodzki, Wrocław
W ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego „Olimpiada Teatralna” we Wrocławiu 

Spektakl "Szczelina"
data: 10 listopada 2016, godzina: 19:00
data: 11 listopada 2016 (piątek), godzina: 17:00
miejsce: Wrocławski Teatr Współczesny, Scena na Strychu
W ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego „Olimpiada Teatralna” we Wrocławiu 

"Koncert Pieśni Antycznych"
data: 5 marca 2017, godzina: 19:00
miejsce: scena Gadzickiego, Teatr im. Heleny Modrzejewskiej w Legnicy
W ramach projektu "MODRZEJEWSKA DOM OTWARTY" 

Spektakl "Bachantki"
data: 5 marca 2017, godzina: 20:30
miejsce: scena Gadzickiego, Teatr im. Heleny Modrzejewskiej w Legnicy
W ramach projektu "MODRZEJEWSKA DOM OTWARTY" 

Spektakl "Studium o Hamletach"
data: 10 maja 2017
miejsce: Teatr Collegium Nobilium, Scena Główna, Warszawa 

Spektakl "Studium o Hamletach"
data: 6 lipca 2017
miejsce: Teatr Collegium Nobilium, Scena Główna, Warszawa
Na zakończenie Międzynarodowego Festiwalu Szkół Teatralnych - ITSelF Festiwal 

Premiera koncertu "Spojrzystość"
data: 30 lipca 2017
miejsce: kościół Nawiedzenia Najświętszej Maryi Panny, Wieruszów,
W ramach: 18 Wędrowny Festiwal Filharmonii Łódzkiej "Kolory Polski"
 

Zagraniczne:

Spektakl "Szczelina”
data: 8 lipca 2017
miejsce: Expedition Metropolis e.V.,Desihalle, Berlin
W ramach festiwalu HofFestSpiele - Community Kunst Festival w Berlinie
Projekt dofinansowano ze środków Urzędu Miasta Łodzi.
 

Nagrody od 1 września 2016 do 31 sierpnia 2017:

1. Spektakl "Szczelina" Teatru CHOREA, na motywach dramatu "Zanikam" Arne Lygre, w reżyserii Tomasza Rodowicza, otrzymał nagrodę Złotej Maski za najlepsze wydarzenie na scenie off w sezonie 2015/2016.

2. Spektakl "Szczelina" Teatru CHOREA otrzymał nominację w plebiscycie na NAJLEPSZĄ PREMIERĘ TEATRALNĄ sezonu 2015/2016 organizowanym przez Portal Łódź Jest Kulturą.

3. Międzynarodowy Festiwal Retropespektywy 2016 - Teatr naznaczony muzyką, tworzony przez zespół Teatru CHOREA, zajął 3 miejsce w plebiscycie "Armatka Kultury" na najbardziej wystrzałowe wydarzenie w łódzkiej kulturze w sezonie 2015/2016.

4. Tomasz Rodowicz – lider i dyrektor Teatru CHOREA, został laureatem Nagrody "O 2017" w kategorii Teatr, za stworzenie Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego Retroperspektywy.

5. Festiwal Perspektywy 2017, organizowany przez Teatr CHOREA został wyróżniony TEATRALNYM ZNAKIEM JAKOŚCI, przyznawanym przez środowisko teatralne za tworzenie różnorodnego programu artystycznego i edukacyjnego, działania przeciw wykluczeniu, odpowiedzialność, uczciwość, systemetyczność i transparentność.